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lunes, 16 de octubre de 2017

Patrimonio del MNBA: "Los primeros funerales", de Louis-Ernest Barrias

Entrando a la web del Museo Nacional de Bellas Artes, de Buenos Aires, Argentina, podemos encontrar un catálogo de su colección y excelentes análisis y comentarios de cada artista. Recomendado.

Comentario sobreLes premières funérailles (Los primeros funerales)

En el año 1878, el escultor Louis-Ernest Barrias presentó en el Salón de París un grupo monumental titulado Les premières funérailles. El imponente yeso de 2,20 m de altura representa a los primeros padres, Adán y Eva, que transportan el cuerpo muerto de su hijo Abel, víctima de los celos de su hermano Caín. El episodio no está narrado en el Génesis, pero algunos comentarios medievales de la Biblia explican el hecho a partir del largo luto –más de cien años– que llevaron Adán y Eva para honrar la dramática pérdida del hijo (1). Las figuras de Adán y Eva no eran nuevas en la escultura del siglo XIX, pero pocas alcanzaron la fuerza dramática de este grupo. Barrias juega con el contraste entre una visión masculina y femenina de la muerte: por una parte la actitud estoica del padre que sostiene en sus brazos, resignado, el cuerpo sin vida del hijo; por otra parte el gesto de Eva, al mismo tiempo maternal y lacerante, que acaricia tiernamente la cabeza de Abel. También el tema de Abel había sido abordado en el transcurso del siglo, como lo demuestra la obra de Jean-Baptiste Stouf, actualmente en el Louvre. Como subraya Ruth Butler, se pueden identificar otras fuentes en la pintura de Prud’hon La Justice et la Vengeance divine poursuivant le Crime (Musée du Louvre, París), obra inspirada en Horacio pero en el transcurso del siglo interpretada como Caín y Abel, y en el Jeune Barra de David d’Angers presentado al Salón de 1839 (2).
Pero en esta especie de Piedad laica, de tamaño natural, que incluye una tercera figura, Barrias propone una compleja estructura formal, raramente abordada en escultura. La obra pretende ser la respuesta formal del artista a los dos grupos más famosos de la estatuaria de la primera mitad del siglo: Caïn et sa race maudits de Dieu (1832-1839) de Antoine Etex y Ugolino y sus hijos de Jean- Baptiste Carpeaux (1862), ambos representantes del dramático tema de padres e hijos. Pero a diferencia de estos dos grupos constituidos alrededor de una figura principal, los tres personajes de los Funerales de Barrias tienen igual importancia en la composición. Las tres figuras están unidas en una composición piramidal que juega con la relación entre los cuerpos. Con esta reconstrucción imaginaria de la primera irrupción de la muerte, Barrias propone una lograda síntesis de neoclasicismo, romanticismo y realismo.
Abundante en referencias formales a Miguel Ángel y a Bernini, Barrias sitúa, sin embargo, la escena luctuosa en una prehistoria fantástica. Adán presenta un rostro alterado de rasgos galos, otra alusión a los albores de la humanidad. Al contrario, los cuerpos de Eva y Abel siguen los modelos clásicos revisados a través del Renacimiento. La génesis de estas figuras se encuentra en una serie de estudios realizados en Roma, a partir de 1869, durante los años del Prix de Rome. Por su fuerte validez expresiva, el grupo fue interpretado por el público como una alegoría del sufrimiento del pueblo francés durante la guerra franco-prusiana. El impacto de la alegoría resultaba aún más intenso gracias al tratamiento naturalista de las superficies, una evolución respecto al academicismo neoclásico del Serment de Spartacus realizado algunos años antes (1872).
La obra, definida por la crítica como “la más bella escultura francesa del siglo” y “la manifestación más alta de los sentimientos que la cultura puede expresar” (3), le valió a su autor la medalla de honor en 1878 y un gran éxito de público, contribuyendo a su nombramiento para la Legión de Honor en ese mismo año. Realizado en mármol, el grupo se volvió a exponer en el Salón de ese año y en la Exposición Universal de 1889. En 1884 fue adquirido por la municipalidad de París para destinarlo a la decoración del nuevo Hôtel de Ville (4), reconstruido hacía poco luego del incendio que lo destruyera en 1875 a causa de los enfrentamientos de la Comuna. En 1902 el grupo fue transferido al Petit Palais, donde permaneció hasta 1947, cuando fue trasladado a los jardines del hospital psiquiátrico Sainte Anne de París (5). En 1988, el grupo volvió a ser colocado en su sitio precedente en el Museo.
La popularidad de la obra fue tal que fueron ejecutadas numerosas réplicas. Se conocen tres ejemplares en yeso con las dimensiones originales (Museos de Bellas Artes de Angers, Rennes y Lyon). Entre 1886 y 1887 el escultor realizó en mármol dos versiones reducidas del grupo, una para la colección de F. J. Marmontel (1886) y otra para el pintor húngaro Mihaly Munkácsy (1887) (6). Este último ejemplar, vendido en 1898, es probablemente el mismo que hoy se conserva en el MNBA, ya que tiene las mismas dimensiones (7). En 1892 Barrias realizó una segunda versión monumental en mármol –reducida apenas 4 o 5 cm respecto de la primera– para el danés Carl Jacobsen que sería destinada a su nueva Gliptoteca Carlsberg de Copenhague (8). Existen también varias versiones reducidas en bronce, ejecutadas por numerosas fundiciones (principalmente por Thiébaut Frères y Sumière et Cie.). Un ejemplar en cera se conserva en el Musée Carnavalet de París.
Barbara Musetti

Notas al pie

1— Marie Busco y Peter Fusco, “The First Funeral” en: Peter Fusco y H. W. Janson (dir.), The Romantics to Rodin, cat. exp. Los Angeles/New York, Los Angeles County Museum of Art/George Baziller, p. 115.
2— Cf. Ruth Butler, 1980, p. 92.
3— D. Puech, Notice sur la Vie de Monsieur Ernest Barrias. Paris, Institut de France, Académie des Beaux-Arts, 1906, p. 10.
4— El grupo fue colocado en 1884 en el Hôtel de Ville, sede del ayuntamiento parisino (vestíbulo-escalera Henri II). Cf. Livre du Centenaire de la reconstruction de l’Hôtel de Ville 1882-1982. Paris, Ville de Paris, 1982.
5— Cf. Daniel Imbert Guénola Groud (dir.), Quand Paris dansait avec Marianne 1879-1889, cat. exp. Paris, Paris Musées, 1989, p. 291.
6— Busco y Fusco, op. cit., p. 116.
7— María Teresa Constantin, “Los primeros funerales” en: Rodin en Buenos Aires. Buenos Aires, MNBA/Fundación Antorchas, 2001, p. 107.
8— Anne-Birgitte Fonsmark; Emmanuelle Héran y Sidsel Maria Søndergaard, Catalogue French Sculpture 2. Ny Carlsberg Glyptotek. Copenhagen, Ny Carlsberg Glyptotek, 1999, p. 42.

Bibliografía

1980. BUTLER, Ruth, “Religious Sculpture in Post-Christian France” en: Peter Fusco y H. W. Janson (dir.), The Romantics to Rodin. French Nineteenth Century Sculpture from North America Collections, cat. exp. Los Angeles/New York, Los Angeles County Museum of Art/George Baziller, fig. 89.
2006. BÉNÉZIT, E., Dictionary of Artists. Paris, Grund, t. 1, p. 1206-1207. — BALDASARRE, María Isabel, Los dueños del arte. Coleccionismo y consumo cultural en Buenos Aires. Buenos Aires, Edhasa, 2006, p. 177, reprod. byn nº 29.





domingo, 15 de octubre de 2017

La maternidad en el arte de Mary Cassatt

Casi la totalidad de su obra se centró en el retrato, la representación de la mujer, las niñas y la maternidad. A su manera, podríamos decir que fue la primera pintora feminista del siglo XIX.


Mary Stevenson Cassatt (1844-1926) fue una pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida en Estos Unidos, pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se incorporó al movimiento impresionista. Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.


La artista fue descrita por Gustave Geffroy como una de "las tres grandes damas" del impresionismo junto a Marie Bracquemond y Berthe Morisot.
Cassatt nació en Allegheny City, Pensilvania, ahora Pittsburgh.​ Su padre, Robert Simpson Cassatt (más tarde solo Cassatt) era un exitoso agente de bolsa, descendiente del francés Jacques Cossart, que había llegado a Nueva Ámsterdam en 1662. Su madre, Katherine Kelso Johnston, provenía de una familia de banqueros. Katherine, una lectora educada, tuvo una gran influencia sobre su hija. Louisine Havemeyer, amiga de Mary, escribió en sus memorias: "Todo aquel que tuvo el privilegio de conocer a la madre de Mary Cassatt sabía de inmediato, que se trataba de ella y solo de ella (Mary) que había heredado su habilidad".​
Cassatt creció en un ambiente acomodado en el que se consideraban los viajes como parte integral de la educación; pasó cinco años en Europa y visitó importantes capitales como Londres, París y Berlín. Durante sus estancias en el extranjero aprendió alemán, francés y tuvo sus primeras lecciones de dibujo y música.​ Es probable que su primer contacto con los artistas franceses Ingres, Delacroix, Corot y Courbet fuera en la Exposición Universal de París de 1855. En la exposición estuvieron también Degas y Pissarro, quienes más tarde serían sus colegas y mentores.​
Aunque su familia se opuso a que se convirtiera en una artista profesional, Cassatt comenzó a estudiar pintura en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts a los 15 años. Parte de la preocupación de sus padres surgía de la constante exposición a ideas feministas, no comunes durante la época, y al comportamiento bohemio de algunos de sus compañeros varones. Aunque alrededor del 20% de los estudiantes eran mujeres, la mayoría miraba el arte como una habilidad social; solo algunas de ellas, como Cassatt, querían hacerlo su carrera.​ Continuó sus estudios desde 1861 hasta 1865, durante la Guerra Civil estadounidense.​ Entre sus compañeros de estudios se encontraba Thomas Eakins quien, más tarde, se convertiría en un controvertido director de la Academia.
Impaciente con la lentitud en el aprendizaje y con la actitud condescendiente de los hombres en la Academia, decidió estudiar por su cuenta. Más tarde Cassatt aseguraría que "la enseñanza no existía" en la Academia. Las estudiantes tenían prohibido utilizar modelos vivos (hasta un poco más tarde) por lo que su formación principal se basaba, principalmente, en moldes.​

Autorretrato, hacia 1880, gouache, acuarela y lápiz sobre papel, 32,7 x 24,6 cm, Washington, National Portrait Gallery.


jueves, 12 de octubre de 2017

La historia de una belleza revelada

"Belleza revelada", autorretrato.


He aquí una curiosidad. Una miniatura de apenas  6,7 x 8 centímetros con un tema hipnotizador por su belleza, delicadez, sensualidad y factura. Los pechos de la pintora parecen mirarnos y son -como el título de la obra- una belleza revelada. Su autora es Sarah Goodridge, una pintora estadounidense nacida en 1788. Esta es su historia.



“Belleza revelada” (Beauty Revealed) es una miniatura realizada en acuarela sobre marfil por la miniaturista Sarah Goodridge. Se trata de un autorretrato de unos pechos al descubierto, rodeados por una gasa blanca que acentúa su delicadeza. Tan sólo destaca una peca sobre ellos, a modo de seña de identidad. Al utilizar marfil para su realización favorece la sutil gradación del color, así como su palidez y su tridimensionalidad. La obra se finalizó durante un período de gran popularidad de los retratos en miniatura, un medio que había sido introducido en los Estados Unidos a finales del siglo XVIII.


Medida original (8 cm de ancho)

Sarah Goodridge ​ tuvo una larga amistad con Daniel Webster, un político y buen orador, que fue senador de Massachusetts en 1827. Webster le envió más de cuarenta cartas entre 1827 y 1851, y con el tiempo, sus escritos hacia ella se hicieron cada vez más familiares; sus últimas cartas estaban dirigidas a “Mi querida y buena amiga”, que estaba fuera de la expresión normal en aquella época (desgraciadamente, todas las misivas escritas por Sarah a Daniel desaparecieron).​ Ella, por su parte, le retrató más de una docena de veces.


El original era parte de un pequeño estuche, que al ser abierto revelaba su contenido.

Belleza Revelada se terminó en 1828 justo cuando Webster quedó viudo de su primera mujer. Se presenta con una fisionomía fresca y lozana, aunque ella tenía ya 40 años. Parece que con ella intentaba salir del puritanismo de la época, reflejar una verdad que sale a la luz tras las capas de banalidad dentro de una sociedad conservadora. Fue un regalo con el que quizás intentaba un acercamiento más personal, hacerle ver que su amor podía hacerse público; sin embargo él, viudo y con tres hijos a su cargo, volvió a casarse en segundas nupcias con otra mujer de igual categoría social y mayor poder adquisitivo.

Retrato de Daniel Webster (1825)

Webster conservó la miniatura hasta su muerte, y su familia mantuvo el retrato en propiedad hasta la década de 1980, cuando fue subastado en la sala Christie’s y adquirido un año después por Gloria y Richard Manney. La pareja donó o vendió las miniaturas de su colección de arte, incluyendo la “Belleza revelada“, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en el año 2006.
Sara Goodridge fallecía en 1853, un año después que lo hiciera Daniel Webster, dando fin a una historia de amor truncada, pero que quedó inmortalizada por esta exquisita miniatura que estaba hecha sólo para los ojos de su amado.

Sarah Goodridge

sábado, 7 de octubre de 2017

La influencia de los prerrafaelistas: John William Waterhouse

The Lady of Shallot - John William Waterhouse

No sólo grandes pintores cayeron en el influjo mágico del prerrafaelismo surgido a mediados del siglo XIX, sino también incidió en la literatura, la música y el cine. 





John William Waterhouse

John William Waterhouse (Roma, 6 de abril de 1849-Londres, 10 de febrero de 1917) fue un pintor británico. Hijo de artistas, sus comienzos como pintor estuvieron influidos por el neoclasicismo victoriano. En la fase siguiente, se convierte en un pintor prerrafaelita. Más tarde estuvo atraído por el plenairismo de los impresionistas franceses. Si al principio de su carrera se dedicó a temas de la antigüedad clásica, más adelante abordó los literarios, siempre con un estilo suave y misterioso, imbuido de romanticismo, que permiten encuadrarlo dentro del simbolismo. Pintor famoso en vida, su fama decayó durante el siglo XX. Sin embargo, a fines de esta centuria se produjo una revaloralización de sus aportes a la historia de la pintura.
John William Waterhouse nació en Roma en 1849. Su padre, de nacionalidad inglesa, trabajaba allí como pintor. Fue apodado como Nino durante su infancia. En la década de 1850, regresó con su familia a Inglaterra, donde aprendió el italiano de su padre y lo ayuda en su taller. En 1870 ingresa en la Royal Academy Schools de Londres. Sus primeras obras son de temática clásica y fueron exhibidas en la Royal Academy, la Sociedad de Artistas Británicos y la Dudley Gallery.
Con 28 años viaja por el extranjero, teniendo especial predilección por Italia, y ello se vio fuertemente reflejado en sus obras, influenciado por la vida y costumbres italianas. Las creaciones de esta época son de temática de la historia antigua y el género clásico, similares a las del pintor Alma-Tadema. No obstante, también creó pinturas con ciertos aires orientales.
Desde 1880 expone anualmente sus cuadros en el Royal Academy y en The Academy. Entre los años 1885 y 1895 es nombrado socio y académico del Royal Academy.
En 1883, después de su matrimonio con Esther Kenworthy, Waterhouse se estableció en Primrose Hill Studios (primero en el número 3 y más tarde en el 6). También fueron ocupantes de Primrose Hill Studios los artistas Arthur Rackham y Patrick Caulfield.
En 1891 Waterhouse conoce una modelo, cuyo nombre se cree que fue Muriel Foster, quien comienza a posar para sus cuadros, los cuales más tarde serán célebres.
Waterhouse es patrocinado por Alexander Henderson, financiero, quien desde 1903 hasta su muerte le compra varias de sus pinturas.
John William Waterhouse fallece en Londres el 10 de febrero de 1917. (Wikipedia)


The Lady of Shallot (detalle)

La magnífica obra de Christiane Vleugels

La artista crea óleos increíblemente detallados.



Christiane Vleugels es una virtuosa artista belga. Sus gigantescas pinturas hiperrealistas parecen contar una historia, y te invitan a participar en la experiencia. Quizá muy bonitas sus modelos y eso convierte su obra sólo en una colección de chicas hermosas. Aun así, le reconocemos que son magníficas.

Página Web de la artista

“¡Bienvenido a mi mundo!”

"Incluso desde que era una niñita sentí la necesidad de dibujar todo a mi alrededor. Había mucha frustración en mis maestros en la escuela elemental, que miraban y observaban mis libros de Matemática y Lengua lenta pero firmemente transformarse en tiras de comics.
A la edad de doce años, mis padres decidieron inscribirme en la academia de bellas artes donde fuí educada exhaustivamente en el arte del dibujo y de la escultura por el inspirador artista Herman Cornelis.

martes, 3 de octubre de 2017

Innuendo: Entrevista a un joven pintor neo-rebelde

Fuimos testigo del proceso de realización de su última obra.

Hoy que en las escuelas de arte prácticamente no se enseña a dibujar ni a pintar porque eso es considerado por algunos "genios" como "retrógrado", llama profundamente la atención ciertas excepciones que se aferran a la prolijidad y minuciosidad casi de modo oriental. Un ejemplo de ello es el argentino Juan Innuendo.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

Juan Innuendo es en realidad Juan Blancat. Desde el 2010 firma sus obras como "Innuendo". Nació en Ramos Mejía (Buenos Aires, Argentina) en 1983. Vive en Neuquén capital desde niño y está en pareja desde hace cinco años con Jesica Temi. Cursó entre los años 2004 y 2010 en la Escuela Superior de Bellas Artes Manuel Belgrano el profesorado y tecnicatura en artes visuales, con una interrupción entre 2007 y 2008. No terminó ninguna de las dos carreras.
Trabajó 13 años en un taller de marcos para cuadros hasta que decidió dedicarse plenamente a la actividad artística. "Vengo de una familia donde la mayoría tienen orientaciones artísticas y aprecio por el arte en general" -expresa. Se considera versátil en cuanto a las artes visuales ya que maneja variadas técnicas y no le gusta encasillarse.

jueves, 28 de septiembre de 2017

Frases famosas de Hugh Hefner y portadas icónicas de Playboy


Si yo hubiese sido sacerdote y la oportunidad de estar en el lecho de muerte de Hugh Hefner le hubiese preguntado: "En este momento tan importante de su vida, tiene algo de qué arrepentirse".


Millonario, creador de un imperio multimedia, ícono de la revolución sexual en la década de los '50, envidia de muchos e ídolo de otros. Hugh Hefner, el fundador de la revista Playboy, falleció anoche por causas naturales y rodeado de su familia.