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lunes, 16 de octubre de 2017

Patrimonio del MNBA: "Los primeros funerales", de Louis-Ernest Barrias

Entrando a la web del Museo Nacional de Bellas Artes, de Buenos Aires, Argentina, podemos encontrar un catálogo de su colección y excelentes análisis y comentarios de cada artista. Recomendado.

Comentario sobreLes premières funérailles (Los primeros funerales)

En el año 1878, el escultor Louis-Ernest Barrias presentó en el Salón de París un grupo monumental titulado Les premières funérailles. El imponente yeso de 2,20 m de altura representa a los primeros padres, Adán y Eva, que transportan el cuerpo muerto de su hijo Abel, víctima de los celos de su hermano Caín. El episodio no está narrado en el Génesis, pero algunos comentarios medievales de la Biblia explican el hecho a partir del largo luto –más de cien años– que llevaron Adán y Eva para honrar la dramática pérdida del hijo (1). Las figuras de Adán y Eva no eran nuevas en la escultura del siglo XIX, pero pocas alcanzaron la fuerza dramática de este grupo. Barrias juega con el contraste entre una visión masculina y femenina de la muerte: por una parte la actitud estoica del padre que sostiene en sus brazos, resignado, el cuerpo sin vida del hijo; por otra parte el gesto de Eva, al mismo tiempo maternal y lacerante, que acaricia tiernamente la cabeza de Abel. También el tema de Abel había sido abordado en el transcurso del siglo, como lo demuestra la obra de Jean-Baptiste Stouf, actualmente en el Louvre. Como subraya Ruth Butler, se pueden identificar otras fuentes en la pintura de Prud’hon La Justice et la Vengeance divine poursuivant le Crime (Musée du Louvre, París), obra inspirada en Horacio pero en el transcurso del siglo interpretada como Caín y Abel, y en el Jeune Barra de David d’Angers presentado al Salón de 1839 (2).
Pero en esta especie de Piedad laica, de tamaño natural, que incluye una tercera figura, Barrias propone una compleja estructura formal, raramente abordada en escultura. La obra pretende ser la respuesta formal del artista a los dos grupos más famosos de la estatuaria de la primera mitad del siglo: Caïn et sa race maudits de Dieu (1832-1839) de Antoine Etex y Ugolino y sus hijos de Jean- Baptiste Carpeaux (1862), ambos representantes del dramático tema de padres e hijos. Pero a diferencia de estos dos grupos constituidos alrededor de una figura principal, los tres personajes de los Funerales de Barrias tienen igual importancia en la composición. Las tres figuras están unidas en una composición piramidal que juega con la relación entre los cuerpos. Con esta reconstrucción imaginaria de la primera irrupción de la muerte, Barrias propone una lograda síntesis de neoclasicismo, romanticismo y realismo.
Abundante en referencias formales a Miguel Ángel y a Bernini, Barrias sitúa, sin embargo, la escena luctuosa en una prehistoria fantástica. Adán presenta un rostro alterado de rasgos galos, otra alusión a los albores de la humanidad. Al contrario, los cuerpos de Eva y Abel siguen los modelos clásicos revisados a través del Renacimiento. La génesis de estas figuras se encuentra en una serie de estudios realizados en Roma, a partir de 1869, durante los años del Prix de Rome. Por su fuerte validez expresiva, el grupo fue interpretado por el público como una alegoría del sufrimiento del pueblo francés durante la guerra franco-prusiana. El impacto de la alegoría resultaba aún más intenso gracias al tratamiento naturalista de las superficies, una evolución respecto al academicismo neoclásico del Serment de Spartacus realizado algunos años antes (1872).
La obra, definida por la crítica como “la más bella escultura francesa del siglo” y “la manifestación más alta de los sentimientos que la cultura puede expresar” (3), le valió a su autor la medalla de honor en 1878 y un gran éxito de público, contribuyendo a su nombramiento para la Legión de Honor en ese mismo año. Realizado en mármol, el grupo se volvió a exponer en el Salón de ese año y en la Exposición Universal de 1889. En 1884 fue adquirido por la municipalidad de París para destinarlo a la decoración del nuevo Hôtel de Ville (4), reconstruido hacía poco luego del incendio que lo destruyera en 1875 a causa de los enfrentamientos de la Comuna. En 1902 el grupo fue transferido al Petit Palais, donde permaneció hasta 1947, cuando fue trasladado a los jardines del hospital psiquiátrico Sainte Anne de París (5). En 1988, el grupo volvió a ser colocado en su sitio precedente en el Museo.
La popularidad de la obra fue tal que fueron ejecutadas numerosas réplicas. Se conocen tres ejemplares en yeso con las dimensiones originales (Museos de Bellas Artes de Angers, Rennes y Lyon). Entre 1886 y 1887 el escultor realizó en mármol dos versiones reducidas del grupo, una para la colección de F. J. Marmontel (1886) y otra para el pintor húngaro Mihaly Munkácsy (1887) (6). Este último ejemplar, vendido en 1898, es probablemente el mismo que hoy se conserva en el MNBA, ya que tiene las mismas dimensiones (7). En 1892 Barrias realizó una segunda versión monumental en mármol –reducida apenas 4 o 5 cm respecto de la primera– para el danés Carl Jacobsen que sería destinada a su nueva Gliptoteca Carlsberg de Copenhague (8). Existen también varias versiones reducidas en bronce, ejecutadas por numerosas fundiciones (principalmente por Thiébaut Frères y Sumière et Cie.). Un ejemplar en cera se conserva en el Musée Carnavalet de París.
Barbara Musetti

Notas al pie

1— Marie Busco y Peter Fusco, “The First Funeral” en: Peter Fusco y H. W. Janson (dir.), The Romantics to Rodin, cat. exp. Los Angeles/New York, Los Angeles County Museum of Art/George Baziller, p. 115.
2— Cf. Ruth Butler, 1980, p. 92.
3— D. Puech, Notice sur la Vie de Monsieur Ernest Barrias. Paris, Institut de France, Académie des Beaux-Arts, 1906, p. 10.
4— El grupo fue colocado en 1884 en el Hôtel de Ville, sede del ayuntamiento parisino (vestíbulo-escalera Henri II). Cf. Livre du Centenaire de la reconstruction de l’Hôtel de Ville 1882-1982. Paris, Ville de Paris, 1982.
5— Cf. Daniel Imbert Guénola Groud (dir.), Quand Paris dansait avec Marianne 1879-1889, cat. exp. Paris, Paris Musées, 1989, p. 291.
6— Busco y Fusco, op. cit., p. 116.
7— María Teresa Constantin, “Los primeros funerales” en: Rodin en Buenos Aires. Buenos Aires, MNBA/Fundación Antorchas, 2001, p. 107.
8— Anne-Birgitte Fonsmark; Emmanuelle Héran y Sidsel Maria Søndergaard, Catalogue French Sculpture 2. Ny Carlsberg Glyptotek. Copenhagen, Ny Carlsberg Glyptotek, 1999, p. 42.

Bibliografía

1980. BUTLER, Ruth, “Religious Sculpture in Post-Christian France” en: Peter Fusco y H. W. Janson (dir.), The Romantics to Rodin. French Nineteenth Century Sculpture from North America Collections, cat. exp. Los Angeles/New York, Los Angeles County Museum of Art/George Baziller, fig. 89.
2006. BÉNÉZIT, E., Dictionary of Artists. Paris, Grund, t. 1, p. 1206-1207. — BALDASARRE, María Isabel, Los dueños del arte. Coleccionismo y consumo cultural en Buenos Aires. Buenos Aires, Edhasa, 2006, p. 177, reprod. byn nº 29.





domingo, 15 de octubre de 2017

La maternidad en el arte de Mary Cassatt

Casi la totalidad de su obra se centró en el retrato, la representación de la mujer, las niñas y la maternidad. A su manera, podríamos decir que fue la primera pintora feminista del siglo XIX.


Mary Stevenson Cassatt (1844-1926) fue una pintora y grabadora estadounidense. Aunque nacida en Estos Unidos, pasó gran parte de su vida adulta en Francia, donde forjó amistad con Edgar Degas y se incorporó al movimiento impresionista. Cassatt pintó, principalmente, imágenes representando la vida social y privada de las mujeres, con especial énfasis en los lazos entre ellas y sus hijos.


La artista fue descrita por Gustave Geffroy como una de "las tres grandes damas" del impresionismo junto a Marie Bracquemond y Berthe Morisot.
Cassatt nació en Allegheny City, Pensilvania, ahora Pittsburgh.​ Su padre, Robert Simpson Cassatt (más tarde solo Cassatt) era un exitoso agente de bolsa, descendiente del francés Jacques Cossart, que había llegado a Nueva Ámsterdam en 1662. Su madre, Katherine Kelso Johnston, provenía de una familia de banqueros. Katherine, una lectora educada, tuvo una gran influencia sobre su hija. Louisine Havemeyer, amiga de Mary, escribió en sus memorias: "Todo aquel que tuvo el privilegio de conocer a la madre de Mary Cassatt sabía de inmediato, que se trataba de ella y solo de ella (Mary) que había heredado su habilidad".​
Cassatt creció en un ambiente acomodado en el que se consideraban los viajes como parte integral de la educación; pasó cinco años en Europa y visitó importantes capitales como Londres, París y Berlín. Durante sus estancias en el extranjero aprendió alemán, francés y tuvo sus primeras lecciones de dibujo y música.​ Es probable que su primer contacto con los artistas franceses Ingres, Delacroix, Corot y Courbet fuera en la Exposición Universal de París de 1855. En la exposición estuvieron también Degas y Pissarro, quienes más tarde serían sus colegas y mentores.​
Aunque su familia se opuso a que se convirtiera en una artista profesional, Cassatt comenzó a estudiar pintura en la Pennsylvania Academy of the Fine Arts a los 15 años. Parte de la preocupación de sus padres surgía de la constante exposición a ideas feministas, no comunes durante la época, y al comportamiento bohemio de algunos de sus compañeros varones. Aunque alrededor del 20% de los estudiantes eran mujeres, la mayoría miraba el arte como una habilidad social; solo algunas de ellas, como Cassatt, querían hacerlo su carrera.​ Continuó sus estudios desde 1861 hasta 1865, durante la Guerra Civil estadounidense.​ Entre sus compañeros de estudios se encontraba Thomas Eakins quien, más tarde, se convertiría en un controvertido director de la Academia.
Impaciente con la lentitud en el aprendizaje y con la actitud condescendiente de los hombres en la Academia, decidió estudiar por su cuenta. Más tarde Cassatt aseguraría que "la enseñanza no existía" en la Academia. Las estudiantes tenían prohibido utilizar modelos vivos (hasta un poco más tarde) por lo que su formación principal se basaba, principalmente, en moldes.​

Autorretrato, hacia 1880, gouache, acuarela y lápiz sobre papel, 32,7 x 24,6 cm, Washington, National Portrait Gallery.


jueves, 12 de octubre de 2017

La historia de una belleza revelada

"Belleza revelada", autorretrato.


He aquí una curiosidad. Una miniatura de apenas  6,7 x 8 centímetros con un tema hipnotizador por su belleza, delicadez, sensualidad y factura. Los pechos de la pintora parecen mirarnos y son -como el título de la obra- una belleza revelada. Su autora es Sarah Goodridge, una pintora estadounidense nacida en 1788. Esta es su historia.



“Belleza revelada” (Beauty Revealed) es una miniatura realizada en acuarela sobre marfil por la miniaturista Sarah Goodridge. Se trata de un autorretrato de unos pechos al descubierto, rodeados por una gasa blanca que acentúa su delicadeza. Tan sólo destaca una peca sobre ellos, a modo de seña de identidad. Al utilizar marfil para su realización favorece la sutil gradación del color, así como su palidez y su tridimensionalidad. La obra se finalizó durante un período de gran popularidad de los retratos en miniatura, un medio que había sido introducido en los Estados Unidos a finales del siglo XVIII.


Medida original (8 cm de ancho)

Sarah Goodridge ​ tuvo una larga amistad con Daniel Webster, un político y buen orador, que fue senador de Massachusetts en 1827. Webster le envió más de cuarenta cartas entre 1827 y 1851, y con el tiempo, sus escritos hacia ella se hicieron cada vez más familiares; sus últimas cartas estaban dirigidas a “Mi querida y buena amiga”, que estaba fuera de la expresión normal en aquella época (desgraciadamente, todas las misivas escritas por Sarah a Daniel desaparecieron).​ Ella, por su parte, le retrató más de una docena de veces.


El original era parte de un pequeño estuche, que al ser abierto revelaba su contenido.

Belleza Revelada se terminó en 1828 justo cuando Webster quedó viudo de su primera mujer. Se presenta con una fisionomía fresca y lozana, aunque ella tenía ya 40 años. Parece que con ella intentaba salir del puritanismo de la época, reflejar una verdad que sale a la luz tras las capas de banalidad dentro de una sociedad conservadora. Fue un regalo con el que quizás intentaba un acercamiento más personal, hacerle ver que su amor podía hacerse público; sin embargo él, viudo y con tres hijos a su cargo, volvió a casarse en segundas nupcias con otra mujer de igual categoría social y mayor poder adquisitivo.

Retrato de Daniel Webster (1825)

Webster conservó la miniatura hasta su muerte, y su familia mantuvo el retrato en propiedad hasta la década de 1980, cuando fue subastado en la sala Christie’s y adquirido un año después por Gloria y Richard Manney. La pareja donó o vendió las miniaturas de su colección de arte, incluyendo la “Belleza revelada“, al Museo Metropolitano de Arte de Nueva York en el año 2006.
Sara Goodridge fallecía en 1853, un año después que lo hiciera Daniel Webster, dando fin a una historia de amor truncada, pero que quedó inmortalizada por esta exquisita miniatura que estaba hecha sólo para los ojos de su amado.

Sarah Goodridge

sábado, 7 de octubre de 2017

La influencia de los prerrafaelistas: John William Waterhouse

The Lady of Shallot - John William Waterhouse

No sólo grandes pintores cayeron en el influjo mágico del prerrafaelismo surgido a mediados del siglo XIX, sino también incidió en la literatura, la música y el cine. 





John William Waterhouse

John William Waterhouse (Roma, 6 de abril de 1849-Londres, 10 de febrero de 1917) fue un pintor británico. Hijo de artistas, sus comienzos como pintor estuvieron influidos por el neoclasicismo victoriano. En la fase siguiente, se convierte en un pintor prerrafaelita. Más tarde estuvo atraído por el plenairismo de los impresionistas franceses. Si al principio de su carrera se dedicó a temas de la antigüedad clásica, más adelante abordó los literarios, siempre con un estilo suave y misterioso, imbuido de romanticismo, que permiten encuadrarlo dentro del simbolismo. Pintor famoso en vida, su fama decayó durante el siglo XX. Sin embargo, a fines de esta centuria se produjo una revaloralización de sus aportes a la historia de la pintura.
John William Waterhouse nació en Roma en 1849. Su padre, de nacionalidad inglesa, trabajaba allí como pintor. Fue apodado como Nino durante su infancia. En la década de 1850, regresó con su familia a Inglaterra, donde aprendió el italiano de su padre y lo ayuda en su taller. En 1870 ingresa en la Royal Academy Schools de Londres. Sus primeras obras son de temática clásica y fueron exhibidas en la Royal Academy, la Sociedad de Artistas Británicos y la Dudley Gallery.
Con 28 años viaja por el extranjero, teniendo especial predilección por Italia, y ello se vio fuertemente reflejado en sus obras, influenciado por la vida y costumbres italianas. Las creaciones de esta época son de temática de la historia antigua y el género clásico, similares a las del pintor Alma-Tadema. No obstante, también creó pinturas con ciertos aires orientales.
Desde 1880 expone anualmente sus cuadros en el Royal Academy y en The Academy. Entre los años 1885 y 1895 es nombrado socio y académico del Royal Academy.
En 1883, después de su matrimonio con Esther Kenworthy, Waterhouse se estableció en Primrose Hill Studios (primero en el número 3 y más tarde en el 6). También fueron ocupantes de Primrose Hill Studios los artistas Arthur Rackham y Patrick Caulfield.
En 1891 Waterhouse conoce una modelo, cuyo nombre se cree que fue Muriel Foster, quien comienza a posar para sus cuadros, los cuales más tarde serán célebres.
Waterhouse es patrocinado por Alexander Henderson, financiero, quien desde 1903 hasta su muerte le compra varias de sus pinturas.
John William Waterhouse fallece en Londres el 10 de febrero de 1917. (Wikipedia)


The Lady of Shallot (detalle)

La magnífica obra de Christiane Vleugels

La artista crea óleos increíblemente detallados.



Christiane Vleugels es una virtuosa artista belga. Sus gigantescas pinturas hiperrealistas parecen contar una historia, y te invitan a participar en la experiencia. Quizá muy bonitas sus modelos y eso convierte su obra sólo en una colección de chicas hermosas. Aun así, le reconocemos que son magníficas.

Página Web de la artista

“¡Bienvenido a mi mundo!”

"Incluso desde que era una niñita sentí la necesidad de dibujar todo a mi alrededor. Había mucha frustración en mis maestros en la escuela elemental, que miraban y observaban mis libros de Matemática y Lengua lenta pero firmemente transformarse en tiras de comics.
A la edad de doce años, mis padres decidieron inscribirme en la academia de bellas artes donde fuí educada exhaustivamente en el arte del dibujo y de la escultura por el inspirador artista Herman Cornelis.

martes, 3 de octubre de 2017

Innuendo: Entrevista a un joven pintor neo-rebelde

Fuimos testigo del proceso de realización de su última obra.

Hoy que en las escuelas de arte prácticamente no se enseña a dibujar ni a pintar porque eso es considerado por algunos "genios" como "retrógrado", llama profundamente la atención ciertas excepciones que se aferran a la prolijidad y minuciosidad casi de modo oriental. Un ejemplo de ello es el argentino Juan Innuendo.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

Juan Innuendo es en realidad Juan Blancat. Desde el 2010 firma sus obras como "Innuendo". Nació en Ramos Mejía (Buenos Aires, Argentina) en 1983. Vive en Neuquén capital desde niño y está en pareja desde hace cinco años con Jesica Temi. Cursó entre los años 2004 y 2010 en la Escuela Superior de Bellas Artes Manuel Belgrano el profesorado y tecnicatura en artes visuales, con una interrupción entre 2007 y 2008. No terminó ninguna de las dos carreras.
Trabajó 13 años en un taller de marcos para cuadros hasta que decidió dedicarse plenamente a la actividad artística. "Vengo de una familia donde la mayoría tienen orientaciones artísticas y aprecio por el arte en general" -expresa. Se considera versátil en cuanto a las artes visuales ya que maneja variadas técnicas y no le gusta encasillarse.

jueves, 28 de septiembre de 2017

Frases famosas de Hugh Hefner y portadas icónicas de Playboy


Si yo hubiese sido sacerdote y la oportunidad de estar en el lecho de muerte de Hugh Hefner le hubiese preguntado: "En este momento tan importante de su vida, tiene algo de qué arrepentirse".


Millonario, creador de un imperio multimedia, ícono de la revolución sexual en la década de los '50, envidia de muchos e ídolo de otros. Hugh Hefner, el fundador de la revista Playboy, falleció anoche por causas naturales y rodeado de su familia.

miércoles, 27 de septiembre de 2017

El viento de Luo Li Rong




La artista crea esculturas del tamaño natural de mujeres inspiradas en el arte clásico. Una revelación más de la belleza femenina.


La artista china Luo Li Rong crea esculturas en bronce de mujeres inspiradas en las técnicas del arte clásico. Sus figuras suelen ser capturadas en movimiento, a menudo con sus vestidos o prendas aparentemente revoloteando en la brisa a su alrededor.
Rong ha estado esculpiendo durante gran parte de su vida, habiendo estudiado en la Academia de Bellas Artes de Beijing bajo la dirección del escultor Wang Du. Más tarde, volvió su atención a las técnicas de escultura utilizadas por los artistas europeos en los períodos renacentista y barroco, algo que parece definir gran parte de su obra contemporánea. 


martes, 26 de septiembre de 2017

Las minitas de Martín di Girolamo

Martín di Girolamo en el MNBA de Neuquén junto a "El anhelo de Berenice".


Se inauguró en el MNBA, de Neuquén, la muestra "Figurados". Entre las obras expuestas, se encuentra una escultura de Martín di Girolamo, como las que hacía John DeAndrea en la década del ´60 del siglo XX. No se puede comparar Di Girolamo con DeAndrea, pero al nuestro le reconozco el esfuerzo y reproduzco una entrevista que le realizaran en una revista nacional hace algunos años.

Su tema excluyente es el cuerpo femenino en su forma más voluptuosa y provocativa, a la medida de las fantasías masculinas. Recrea sin ningún pudor las figuras de iconos de belleza contemporáneos y escenas de alto contenido erótico. Admirado, criticado, y buen vendedor de sus obras, actualmente expone en la galería Ruth Benzacar.
A Martín Di Girolamo sus compañeros de colegio le rogaban que dibujara imaginarias mujeres desnudas en sus cuadernos como sólo él sabía hacerlas. El cuerpo femenino siempre fue su debilidad, y recrearlo su gran don. A veces, llenaba el pizarrón del aula con esas exuberantes figuras.
Por aquello -que por entonces era el pasatiempo de un joven estudiante virtuoso del dibujo- recibió más de una reprimenda. Pero hoy Di Girolamo se ha convertido en un gran artista, y lo que más recibe son elogios.
Sus obras -esculturas híperreales de mujeres voluptuosas, hombres y mujeres, mujeres y más mujeres en escenas y actitudes de alto contenido erótico- pueden verse en el Museo de Arte Moderno, en el Museo Nacional de Bellas Artes, y en cada edición de la feria ArteBA, y se venden a razón de 2.000 o 3.000 dólares cada una. 

viernes, 22 de septiembre de 2017

¡Cuidado con las pseudo-galerías! El artista siempre sale perdiendo


El número de galerías de arte que solo lo son de nombre perjudica la credibilidad del mercado y la gestión de las auténticas galerías. Su actividad se organiza en torno a exposiciones colectivas o individuales previo pago por parte del artista. Las tarifas varían en función del tipo de la sala de exposicion, la calidad del catálogo que se quiera editar o la duración de la muestra.
Hasta aquí, si el artista acepta estas condiciones para poder mostrar su obra, nada hay que decir al respecto. Ambas partes llegan a un acuerdo y se celebra la exposición en función de lo contratado.


Ofertas engañosas

No obstante, a este nivel de mercado proliferan las ofertas engañosas por parte de pseudogalerias y ocurre con demasiada frecuencia que, con el señuelo de exponer en una muestra relevante o participar en una feria internacional, ofrecen al artista una “oportunidad única” a cambio de aportar “solo” una cantidad en los “gastos de participación”.
Son muchos los artistas que terminan siendo engañados en su buena fe de exponer.
En un principio, se les promete introducir en círculos especializados, gestionar la promoción individualizada de su obra, darles amplia difusión en medios de comunicación o la participación en proyectos de futuro, entre otras cosas.
La realidad es que no logran ningún interés por sus cuadros o esculturas, tienen quebraderos de cabeza para que se les devuelva la obra y, en más de una ocasión, pierden su trabajo o no cobran lo vendido.
Eso sí, lo único de lo que si pueden estar seguros es de pagar por adelantado,
La cuestión es que siempre sale perdiendo el artista.
Pone la obra y el dinero.
El dinero lo pierde y la obra no siempre la recupera íntegra o en perfectas condiciones.

¿Entonces por qué exponer?

Porque es una necesidad inherente al creador mostrar su arte.
Hay que exponer y debe haber una confianza mutua entre artista y galerista.
Al menos, estas deben ser las reglas del juego: llegar a un acuerdo y cumplirlo por ambas partes, porque tanto uno como el otro son agentes imprescindibles del mercado de arte.
Lo que no es de recibo es que las condiciones para poder exponer sean abusivas.
Que le cuesten al artista el dinero y su trabajo; a cambio, tan solo de añadir en el historial una galería o una línea más.
Los responsables de estas galerías o eventos artísticos no tienen nada que ver con lo que significa el cometido de un auténtico director/a de galería.
Pero se notan, hacen mucho daño y crean desconfianza.
Ellos necesitan de los artistas para mantenerse.
Habría que hacer correr la información entre el gremio, porque si no hay obra que mostrar, no tienen “negocio”.
Actualmente, la mayoría de los artistas tienen acceso a Internet y este medio puede ser una estupenda herramienta para evitar aceptar ofertas que, por desconocimiento, una vez celebrada la exposición haya que lamentar.
Es solo cuestión de recabar información, contrastar experiencias y decidir en consecuencia.
Animamos a los artistas a que denuncien públicamente experiencias similares a las aquí expuestas y que se intercambien información, porque todo ello, a corto plazo, redundará en su propio beneficio y, después, en un saneamiento del mercado.
Colaborar en denunciarlo puede sernos a todos beneficioso.


Acerca del autor de este artículo:

En los últimos treinta años me ha ganado la vida como artista. También ha trabajado varios años en prensa y ha dirigido una galería de arte. Ahora editando su blog comparte su experiencia con el fin de que pueda ser útil para otras personas que quieran conseguir su sueño de poder vivir del arte.


jueves, 21 de septiembre de 2017

David Shepherd: La partida de un grande


El 19 de setiembre murió el artista y conservacionista de la vida silvestre, David Shepherd. Fue fundador y presidente de la fundación para la vida silvestre (dswf).

Richard David Shepherd fue un artista británico y uno de los conservacionistas más famosos del mundo. Era muy conocido para sus pinturas de  locomotoras a vapor y fauna salvaje, aunque también pintó aviones, retratos y paisajes. Su trabajo ha sido extremadamente popular desde los años 60 por la edición de reproducción masiva de su obra. Publicó cinco libros sobre su arte, incluyendo una autobiografía.
















domingo, 10 de septiembre de 2017

Las maravillosas bestias de Theo Jansen



Theo Jansen (Scheveningen, 1948) es un artista y escultor cinético, vive y trabaja en Holanda.
Hizo estudios de física en la Universidad de Delft a partir de 1968, los cuales dejó en 1975 y se convierte en pintor. En 1981 desarrolló una máquina de pintar en Delft. En 1990 desarrolló los Animaris (animales de playa), dedicándose a diseñar una "nueva naturaleza".

“El mar no hace más que subir, y esto amenaza con hacer retroceder los límites de nuestra tierra hasta donde estuvieron en el medievo. Y todos sabemos que en ese minúsculo trocito que nos va a quedar poco podremos hacer. Por tanto, la gran cuestión es: ¿cómo hacer llegar más granitos de arena a nuestras dunas? Sería fantástico si tuviéramos unos animales que removieran la arena de nuestras playas, que la arrojaran al aire, para que, a continuación, el viento se encargara de llevarla hasta las dunas”.
Theo Jansen (1948, Scheveningen) publicó esta reflexión en 1990, en una columna del periódico holandés Volkskrant. Desde entonces, no ha parado de imaginar criaturas capaces de moverse y sobrevivir en las playas de los Países Bajos: las Strandbeest o Bestias de Playa. Las criaturas nacen, caminan por la playa, evolucionan y se extinguen. Su vida dura apenas un año y la mayoría acaban convertidos en fósiles.



Creando una nueva fauna

Theo Jansen decía en aquella columna del Volkskrant que había inventado unos animales que al igual que los castores en el parque natural de Biesbosch, podrán ayudar a mejorar el equilibrio ecológico” de la costa. Los creó “a partir de tubo rígido de canalización eléctrica y cinta adhesiva” y obtenían la energía ”del viento, de modo que no tienen que comer”. Con el paso de los años, Theo Jansen ha aparcado la idea de usar sus Strandbeest para frenar los efectos del cambio climático. Su trabajo ahora se centra en crear formas de vida autosuficientes, capaces de sobrevivir y perpetuarse en su hábitat.
Todos las bestias de playa comparten un secreto matemático, los trece “números sagrados” que Theo Jansen calculó hace 25 años con un ordenador Atari. Los números sagrados indican la longitud de los tubos que componen las patas y definen la peculiar forma de caminar de los animales de playa. El artista usó un programa informático que generaba, seleccionaba y mejoraba cientos piernas diferentes. El proceso se repitió sin descanso durante meses hasta que Jansen obtuvo las medidas ideales para las patas. Darwinismo acelerado por ordenador.
La idea de la evolución está muy presente en la obra de Theo Jansen. El artista holandés inventa constantemente nuevos mecanismos para sus criaturas. Los que resultan útiles sobreviven y saltan a las siguientes generaciones. Los que no funcionan bien, acaban extinguidos y enterrados. Las bestias de playa han desarrollado cerebros, trompas, estómagos y extremidades para anclarse al suelo. La mayoría de esos órganos se han perdido por el camino porque no ayudaban al animal a sobrevivir en su entorno.
Otro elemento común de todos Strandbeest es el tubo de plástico. En su libro The Great Pretender, Theo Jansen reconoce que la verdadera inspiración para sus bestias fueron los tubos de cableado eléctrico de color amarillento, que son típicos de los Países Bajos. Estos conductos con aspecto de hueso son el material principal de los animales de playa. Jansen compró en su día 50 kilómetros de tubo de plástico y evita cualquier material que no sea ese, aunque utilizó palés de madera durante una etapa muy breve.


Un artista con formación de científico

Theo Jansen nació en 1948 en los Países Bajos, en un pequeño pueblo costero junto a La Haya y se formó como ingeniero y científico en la Universidad Tecnológica de Delft. En 1986, tras leer El relojero ciego del zoólogo británico Richard Dawkins, quedó fascinado por la teoría de la evolución y la selección natural de las especies.
En 1990 decidió centrar su trabajo en la creación de seres artificiales y aplicó sus conocimientos de ingeniería a las bestias de playa. “Las barreras entre el arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente”, asegura. En 2007 una de sus criaturas apareció en una campaña publicitaria, y la obra de Jansen adquirió fama internacional. Desde entonces se ha expuesto en museos de todo el mundo.
Los Strandbeest rompen el concepto tradicional de escultura y generan una experiencia estética a través del movimiento. De algún modo, podrían definirse como “esculturas cinéticas”, pero el trabajo de Theo Jansen va más allá. Cuando Jansen explica el funcionamiento de sus criaturas cuesta separar la realidad de la ficción. Habla de ellas como si realmente estuvieran vivas e interpreta sus mecanismos con abundantes metáforas. Para Jansen, las bestias de playa piensan, respiran, se alimentan, toman decisiones y se reproducen.
Cuando Theo Jansen inventa sus animales se aventura en la naturaleza sin un destino fijo, se deja guiar por el contacto con los materiales. Este proceso creativo también sigue unos tiempos marcados por la naturaleza. Los animales nacen en octubre y dan sus primeros pasos en un cajón de arena durante el otoño y el invierno. En primavera salen a la playa y el artista experimenta con ellos durante todo el verano hasta que se extinguen. El objetivo de estos ciclos evolutivos y estas generaciones de criaturas es crear criaturas más veloces, más complejas y más autónomas.
Los detalles técnicos de las bestias de Theo Jansen están publicados en internet y en sus libros. Numerosos ingenieros y artistas ya están utilizando los “números sagrados” para inventar sus propias bestias. Así es como Strandbeest logran reproducirse. Jansen quiere que las bestias de playa puedan vivir sin él, que su obra continúe cuando él no esté. De alguna forma, ya lo tiene asegurado. (Fuente)


Construye grandes figuras imitando esqueletos de animales que son capaces de caminar usando la fuerza del viento de las playas holandesas. Sus trabajos son una fusión de arte e ingeniería. En un anuncio de BMW, Jansen dijo: "Las barreras entre el arte y la ingeniería existen sólo en nuestra mente".


Entrevista


Desde hace diez años Theo Jansen ha estado ocupado en la creación de una nueva naturaleza. No usa polen o semillas sino tubos amarillos de plástico como material básico de su nueva naturaleza. Fabrica esqueletos que son capaces de caminar en el viento. A largo plazo, quisiera llevar estas creaciones a playas para que vivan sus propias vidas.





jueves, 7 de septiembre de 2017

Los Prerrafaelistas (4) William Holman Hunt




William Holman Hunt (1827-1910) fue un pintor inglés, uno de los fundadores de la Hermandad Prerrafaelita. Aunque estudió en la Royal Academy of Arts, rechazó el estilo impuesto por su fundador, Sir Joshua Reynolds. Fundó en 1848, junto con Dante Gabriel Rossetti y John Everett Millais, la Hermandad Prerrafaelita, asociación que propugnaba un retorno a lo espiritual y sincero en el arte, despreciando la pintura académica, que consideraban una mera repetición de clichés. Para ello, proponían inspirarse en los primitivos italianos y flamencos del siglo XV, anteriores a Rafael.

En 1865 se casó con Fanny Waugh, quien moriría a las pocas semanas de dar a luz al primogénito del matrimonio. Esta mala experiencia se unió a que Hunt jamás fue propuesto, a pesar de su fama, como miembro de la Royal Academy, lo que le llevó a desistir de participar en más muestras anuales y a tomar la decisión de mostrar su obra en galerías independientes. En 1875 contrajo matrimonio con Edith, hermana de su difunta esposa, lo cual le ocasionó numerosos problemas con la familia de ésta, que se oponía a la unión, y con las leyes británicas, que por entonces no permitían tal tipo de matrimonio. En 1879 nació su segundo hijo, Hilary. Los años siguientes fueron muy fructíferos para Hunt: en 1886 tuvo lugar una retrospectiva de su obra en la Fine Art Society de Londres y escribió en algunas revistas, como la Contemporary Review.

sábado, 2 de septiembre de 2017

50 ilustraciones de Luis Royo: Fantasía y erotismo




Luis Royo nació en 1954 en Olalla (provincia de Teruel), Luis Royo cursa en Zaragoza estudios de pintura y decoración de interiores, trabajando de 1970 a 1979 en un estudio dedicado a esta última actividad. A partir de 1972 se dedica a la pintura y desde 1977 publica sus primeros cómics en diversos fanzines.

Con la llegada del boom del cómic adulto a principios de los años 80, Royo decide dedicarse íntegramente al cómic y publica en revistas como El Víbora, 1984, Comix Internacional, Heavy Metal y Rambla; también lanza sus primeros álbumes: Circulus-Sataka (Garcia & Beà Editores, 1985) y Desfase (Ikusager, 1986). En 1983 ingresa en Norma Editorial, consagrándose preferentemente a partir de entonces a la ilustración. En este campo se hace notar por su dominio del color y su habilidad para recrear escenarios fantásticos y diseñar hermosas mujeres, convirtiéndose en pocos años en uno de los más cotizados artistas gráficos españoles, realizando numerosas portadas e ilustraciones para editores de todo el mundo.



sábado, 26 de agosto de 2017

Mujer se desnuda ante la Mona Lisa

Lo que más llama la atención es la casi total ausencia de guardias de seguridad.

Una activista ingresó semidesnuda y maquillada como Mona Lisa al espacio que protege el cuadro de Leonardo da Vinci en una extraña actuación que, por razones que se desconocen, no se ha querido hacer pública hasta ahora.



Algunas personas creen haberlo visto todo y que nada les sorprende, aunque a Jordi Llorca le asombró lo que vio en abril de este año durante una visita cultural en París, concretamente a uno de los lugares más conocidos de la ciudad de la luz, el Museo del Louvre. Ahora ha decidido contar su historia.
Durante una breve visita por la capital francesa, él y su grupo de amigos decidieron entrar al museo y ponerse a cobijo de la ingente tromba de agua que comenzó a caer. Una vez dentro, tras detenerse a observar la Venus de Milo, pusieron rumbo hacia la Sala de los Estados, la enorme sala de 200 metros cuadrados que alberga, entre otras, Las Bodas de Caná y La Gioconda, la famosa obra de Leonardo Da Vinci. Agobiado por el habitual tumulto de cámaras y móviles que rodean la obra, Llorca decidió salir del lugar y separarse de sus amigos.
Al poco de abandonar la sala escuchó a lo lejos un gran ruido y numerosos gritos a los que seguían varias personas corriendo para alejarse del lugar. Él pensó que algo terrible había ocurrido: "Fue inevitable pensar en lo peor, que otro episodio terrorista iba a azotar la capital francesa y yo iba a atestiguarlo". Pero no, no se trataba de nada parecido.
Entró de nuevo en la sala, ahora con los visitantes más apiñados y al acercarse para ver lo que pasaba vio a una mujer maquillada como la Mona Lisa y desnuda de cintura para abajo intentar subirse al mueble que se encuentra delante del cuadro. Mientras, otra joven tocaba un violín y otras dos gritaban "¡Mona Lisa!" y animaban al público a hacer lo mismo mientras grababan todo con dos cámaras GoPro. 
Ante la sorpresa de la gente, el escaso personal de seguridad que se encontraba en el lugar decidió actuar rápidamente. Les retiró las GoPro y cerró las puertas de la Sala de los Estados dejando encerrados a todos los allí presentes. En el interior tan solo quedaba al cargo de la situación una trabajadora, que intentaba evitar que la protagonista se volviera a acercar a la obra.«Todo terminó como si nada» narra Llorca. 
"Nos adelantó la violinista con el instrumento escondido bajo su gabardina y salimos por donde habíamos entrado" añade. Meses después de vivir el extraño suceso, Llorca decidió contarlo convirtiéndolo en viral. Pero lo que realmente cuestiona es que fuera precisamente él y no las protagonistas de la performance el encargado de sacar a la luz el momento. Tras consultar con una experta en videoarte, Llorca cuestiona la intención detrás del acto y asegura que no entiende que no se haya retransmitido en Facebook o Twitter o que aún no sea de dominio público. 




jueves, 24 de agosto de 2017

Ricardo Celma: "Es más importante la constancia que el talento, pero juntos son imparables"




Ricardo Celma es otro de los jóvenes exponentes del realismo argentino. Como muchos ha tenido que luchar contra la corriente. Ese esfuerzo y perseverancia le ha hecho merecedor de un importante reconocimiento. Tiene un contrato de exclusividad para la Argentina con la conocida galería Zurbarán, uno de los pocos espacios que difunde y promueve el talento laborioso de muchos artistas.


Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas


Hasta el 17 de setiembre, en Av. Alvear 1658, de la ciudad de Buenos Aires, se podrá apreciar parte de la prolifera obra de uno de los artistas realistas más destacados de la Argentina.
En una entrevista exclusiva para este blog, dialogó sobre sus comienzos y de lo difícil que puede ser el mundo del arte si no se tiene pasión y perseverancia.