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viernes, 23 de junio de 2017

Tres años



El 23 de junio de 2014 iniciaba este blog. En todos estos años de luchar contra los molinos de viento han surgido algunas frases que quiero refrescar y que me resultan acertadas. Un discurso convincente está construido de buenas frases y una buena frase es como una pincelada justa sobre la tela ¿Vio?
"El arte de Rubén Reveco" es un blog que no sólo difunde la obra y pensamiento de su editor, sino que es un espacio disponible para que otros expongan lo que sienten. Cuando en 2011 empezaba Resistencia Realista (jaqueado) eran muy pocos los que se atrevían a levantar la voz contra el stablischment. Ahora las cosas han cambiado, si bien "ellos" siguen usufructuando los lugares más exclusivos y dilapidando los magros presupuestos para la cultura, son señalados sin miedo cuando hacen el ridículo en nombre del arte. Mientras exista fraude, el escrache continuará.
Acompañado por amigos, esta es una breve recopilación del blog: "El arte de Rubén Reveco".

“El regreso de los muertos vivos”

Resumiendo: esto de convertir objetos en “obras de arte” se está poniendo muy aburrido. Pero los jóvenes siguen encontrando en los funcionarios la predisposición adecuada e incondicional para que muestren en los lugares exclusivos. Sueñan que de Neuquén salga un especie de Mark Rothko, Andy Warhol o Damien Hirst.
Con el relato de que “todo es arte y cualquiera puede ser artista” las artes plásticas sigue dominada por la improvisación. En este mundo artístico dónde nadie pide excelencia ni esfuerzo, ciertos jóvenes aprovechan para instalar sus cándidas puestas en escenas. Después de todo, este mundo es de los vivos. Los muertos ya fueron o están en los museos.

martes, 13 de junio de 2017

Charles Sheeler, el padre de los hiperrealistas


Charles Rettew Sheeler Jr. (1883-1965) fue un pintor, fotógrafo estadounidense e iniciador del estilo pictórico precisionista. Se le considera una figura central del realismo de su país y uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX.


Texto de Esther Dávila

Charles Sheeler hizo muchas cosas en un mundo, el del arte de la primera mitad del siglo veinte, en el que mucha gente hacía muy bien muchas cosas. Fue pintor, fotógrafo e, incluso, temprano y efímero cineasta. Tal vez ese sea el problema, que entre el marasmo de genios y corrientes quedó relegado al vasto pantano de los artistas de segundo orden. Una pena, porque entre las variadas expresiones artísticas que probó a lo largo de su vida, dio con un hallazgo que merecería situar algunas de sus obras junto a las de los grandes nombres del arte moderno. No fueron demasiadas, pero sus pinturas de paisajes industriales sumaron un tema y una visión al realismo norteamericano verdaderamente originales.

miércoles, 7 de junio de 2017

Los prerrafaelistas (1) Edward Burne-Jones


"La escalera dorada" de Edward Burne-Jones, 277 por 117 cms. El dibujo lo completó en 1872, pero sólo comenzó la pintura en 1876 terminándola cuatro años después.


Iniciamos esta serie dedicada a los pintores prerrafaelistas.
Si bien Edward Burne-Jones no está desde el comienzo en el grupo, su obra es una de las más interesantes y que más influencia ejerce en la segunda mitad del siglo XIX.


El prerrafaelismo

La Hermandad Prerrafaelita (Pre-Raphaelite Brotherhood) fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en Londres en 1848 por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. La hermandad duró apenas cinco años, pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta comienzo el siglo XX. 
Los prerrafaelitas rechazaban el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX, centrando sus críticas en Joshua Reynolds, fundador de la Royal Academy of Arts. Desde su punto de vista, la pintura académica imperante no hacía sino perpetuar el manierismo de la pintura italiana posterior a Rafael y Miguel Ángel, con composiciones elegantes pero vacuas y carentes de sinceridad. Por esa razón, ellos propugnaban el regreso al detallismo minucioso y al luminoso colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael —de ahí el nombre del grupo— a los que consideraban más auténticos.

Edward Burne-Jones ( izq) y William Morris, 1890.

viernes, 2 de junio de 2017

El detalle que no conocía: La Piedad, de Miguel Angel



Miguel Angel Buonarroti es autor de las dos esculturas más famosas del mundo: El David y La Piedad, las dos realizadas antes de cumplir los 30 años. Por La Piedad siento una particular devoción y hace poco descubrí un detalle que nunca había tenido en cuenta.


Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

Un gran artista nunca escatima esfuerzo, nunca simplifica para ahorrarse trabajo. Bien sabemos que el mármol es una de las piedras más difíciles de trabajar, sin embargo Miguel Ángel en esta obra hace un despliegue inusitado de pliegues en el ropaje de la Virgen y de líneas onduladas en el cabello de Jesucristo.

sábado, 27 de mayo de 2017

Las obras maestras de 20 artistas hiperrealistas


Aunque el hiperrealismo se ha distorsionado con el tiempo y vaciado de contenido, ha quedado esa capacidad de maravillarnos por el despliegue técnico de sus cultores. Los pintores y dibujantes hiperrealistas del siglo XXI proliferan y parecen ser la respuesta más contundente a los que dan por muerta a la pintura.


Este es una selección de un blog amigo y nos tomamos el trabajo de traducir los textos del inglés al español. Es nuestra primera publicación bilingue.

Traducción inglés-español: Julián Reveco


Masterpieces of 20 artists hyperrealists

A lot of people are passionate about artists hyperrealists whose paintings are strikingly photorealistic. These images always look photo-like, but in reality – hyperrealistic paintings, which depict reality with startling clarity. To create these photorealistic images takes a long time, because just every little thing has to be traced accurately. Artists work on each picture dozens, if not hundreds of hours before exhibiting their work to public. Considerable tenacity and talent of authors do these portraits of something more than just a copy of the photo. In them – the artist’s vision, emotion and fantasy world in which we live. Have a look at Masterpieces of 20 artists hyperrealists.

Las obras maestras de 20 artistas hiperrealistas

Muchas personas son apasionadas de esos artistas hiperrealistas cuyas pinturas son desconcertantemente realistas. Aquellas imágenes que parecen fotografías, en realidad, son pinturas que representan a la realidad con impresionante precisión. Crear esas “fotografías” toma mucho tiempo, pues cada detalle debe ser tratado con extremo cuidado. Los artistas trabajan, en cada pintura, decenas –o cientos- de horas antes de exhibirlas. Y con un gran talento y tenacidad, logran hacer de esas obras algo más que una simple copia de una fotografía, sino, la visión del artista, la emoción y el mundo de fantasía en el que vive. Aquí te mostraremos 20 obras maestras de artistas hiperrealistas.



miércoles, 17 de mayo de 2017

El descendimiento de Cristo, de Virginio Arias

"El descendimiento de Cristo" es obra del escultor chileno Virginio Arias y fue realizada en 1887, hace 130 años.

Ahora que los escultores amontonan escombros y pretenden que eso sea una obra de arte -y lo que es peor- son premiados, yo recuerdo con nostalgia este conjunto escultórico que formó parte de mi vida estudiantil y que dibujé in situ una y otra vez.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

El arte de la escultura es otra víctima del arte contemporáneo. A mediado de los años ´80 del siglo XX se empezó a premiar un rejunte de objetos realizados con desechos: latas oxidadas, hierros retorcidos, maderas podridas, neumáticos y cualquier otra materia prima que sea lo contrario a un material noble. El más odiado por los nuevos artistas fue el mármol, quizá por ser una piedra que exige grandes desafíos y que sólo unos pocos la pueden dominar.
"El descendimiento de Cristo", de Virginio Arias, en el Museo de Bellas Artes de Santiago de Chile es el mejor ejemplo de una obra de calidad inalcanzable para el 99% de los artistas. Es la escultura del siglo XIX realizada en mármol quizá más importante de Latioamérica.
Yo solía pedir permiso ante las autoridades del museo para dibujarla y con mi mujer en ferias artesanales vendíamos las reproducciones. Cuando nos quedábamos sin láminas, otra vez volvía al museo... De esa forma -día a día- fui admirándola y sobre todo reconociendo la genialidad de su creador.   


martes, 16 de mayo de 2017

El extraño caso de Lot, sus hijas y su representación en la pintura

Las hijas de Lot emborrachando a su padre. Obra de Gustave Courbet.

Desde el origen del Hombre hasta la crucifixión de Jesucristo, la Biblia es uno de los libros más violentos que se haya escrito. Toda clase de destrucciones naturales, dioses vengativos que nunca dan una segunda oportunidad, violencia entre humanos, venganza y hechos aberrantes. 
Pero ningún capítulo como el que relata la historia de Lot, Sodoma y Gomorra destruidas por pecadoras (niños, mujeres y hombres, nadie se salvó); sólo en unas pocas líneas, vemos a Lot ofreciendo a sus hijas para que sean violadas y a estas cometiendo incesto al considerar que ya no existía hombre sobre la tierra. 
Caos, destrucción y violencia. La Biblia no es un libro pacifista.



Según menciona el capítulo 19, en los versículos 1 a 38 (Génesis 19:1-38), dos ángeles de Dios entraron en Sodoma a rescatar a Lot, sobrino de Abraham; los ángeles eran de hermosa apariencia y llamaron la atención de los habitantes. Al verlos, Lot los invitó e insistió en que pasaran la noche en su casa. Pero antes de que se acostasen, los sodomitas cercaron la casa y exigieron que les entregase a sus invitados para abusar de ellos.

viernes, 12 de mayo de 2017

Las pinturas que más placer producen

John Constable – Wivenhoe Park, Essex (1816)

El arte causa placer. Si te sientes decaído prueba con un museo. Semir Zeki, experto en neurobiología y neuroestética del University College de Londres, ha demostrado que contemplar una bella obra de arte produce en tan sólo 10 segundos un aumento inmediato del flujo sanguíneo en zonas del cerebro relacionadas con el placer.

El efecto equivale a la sensación de estar enamorado. Concretamente, en un experimento con 28 sujetos sin conocimientos previos de arte, Zeki comprobó que las obras que más placer producen son las del paisajista inglés John Constable y las del pintor neoclásico francés Dominique Ingres. Por otra parte, admirar una imagen artística acompañada de música clásica genera más respuestas emotivas que colocarse ante la misma pintura en ausencia de sonido, según revelaba una reciente investigación realizada en la Universidad de Zurich (Suiza). Algunos expertos sugieren que este efecto podría deberse a que la música y el arte pictórico están íntimamente ligados en el cerebro, aunque sólo las personas sinestésicas -que asocian percepciones de sentidos diferentes, por ejemplo escuchando colores u oliendo sonidos- son conscientes de esa conexión. De hecho el pionero del arte abstracto Wassily Kandinsky, que era sinestésico, dijo en cierta ocasión que tenía la esperanza de que sus cuadros pudieran “ser escuchados”.

Jean-Auguste-Dominique Ingres - The Virgin Adoring the Host (1852)


lunes, 8 de mayo de 2017

Lo mejorcito de "200 años de arte argentino"


El riesgo de la convivencia son las odiosas comparaciones. Ahora los curadores hacen "dialogar" las obras de arte de diferentes épocas (No se exhiben cronológicamente). Por lo tanto no se extrañen si encuentran una gran pintura del siglo XIX junto a un mamarracho del siglo XXI. Esto se hace -obviamente- con la intención de convalidar el arte contemporáneo junto al arte de todos los tiempos. O sea, institucionalizar los caprichos de un grupúsculo enquistado en el poder que viene degradando uno de los oficios más maravillosos de los seres humanos.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas




En el Museo Nacional de Bellas Artes, de Neuquén, se inauguró la muestra itinerante "200 años de arte argentino". Pensada como un homenaje a la Independencia argentina, 67 artistas argentinos muestran sus trabajos. Llama la atención las ausencias de Ricardo Carpani, Benito Quinquela Martín, Ángel della Valle, Carlos Pellegrini, Ernesto de la Cárcova y Juan León Palliére, entre otros. Supongo que fueron "sacrificados" en pro de algunos ilustres desconocidos.
Aún así, tuve la oportunidad de estar frente a frente de grandes artistas y eso -sin dudas- se agradece. 

sábado, 6 de mayo de 2017

Facebook vuelve a censurar al fundador del realismo artístico

Autorretrato de Gustave Courbet

Tras perder un juicio por bloquear en Francia el óleo "El Origen del Mundo", ahora la red social eliminó la edición especial que la gaceta de estética Léucade dedicó al destacado pintor francés, y que incluía la obra "El Sueño".

"El sueño"

FUENTE: Diario La Tercera

El arte volvió a ser alcanzado por las políticas de censura de Facebook. La red social, que en febrero de 2016 ya había perdido una batalla legal en Francia al bloquear “El Origen del Mundo”, del célebre pintor francés Gustave Courbet, acaba de dejarse caer de nuevo sobre el mismo autor.Esta vez, el borrado en el ciberespacio apuntó a “El Sueño”, la recordada obra de 1866 en la que el padre del realismo artístico entrelaza la desnudez de dos mujeres sobre la sábana.
La tela fue incluida en el último número de la gaceta de estética Léucade, que dedicó íntegramente dicha publicación a la vida y obra del amigo de Charles Baudelaire.

La revista criticó la determinación y señaló que “quienes perpetran la censura se arrogan el derecho exclusivo de ver aquello de lo que unilateralmente privan a los lectores, promoviendo así la masificación de una ignorancia que jamás aceptarían para sí mismos”.

"El origen del mundo"

Desde facebook tampoco no se puede subir la Maja Desnuda de Goya.

viernes, 5 de mayo de 2017

En Colombia piden reestructuración del Salón Nacional de Artistas




El Salón Nacional de artistas de Colombia actualmente no representa ni los intereses ni las proyecciones estéticas de un amplio sector de creadores visuales que tienen un trabajo serio en el país. Su manejo se centra en responder a una visión sesgada, ideológica y elitista sobre las prácticas artísticas actuales, con un énfasis excesivo en las propuestas en nuevos medios que parten del arte conceptual y de la herencia artística de Marcel Duchamp.

El Salón desconoce desde el estado la validez de medios, calidades y propuestas que son descalificadas como "tradicionales" o "modernas", en las cuales sin embargo trabajan y tienen un proyecto actual y serio un sector importante de artistas nacionales. Igualmente, los últimos años, bajo los afanes de una actualización local, se ha implementado un sistema de curadurías que da más importancia a la figura del curador que a los artistas, lo que ha impedido dar relevancia a nuevos nombres, crear verdaderas tendencias y auténticos estilos, ajenos a los requisitos "contemporáneos" del actual modelo de Salón. La inclusión de artistas internacionales escogidos porque se ajustan a la ideología del Salón impide igualmente un entendimiento claro de la multiplicidad de tendencias en el arte internacional actual.
Por lo mismo, deseamos un cambio total en el modelo de este evento estatal, para que el mismo refleje realmente la producción artística y cultural de los creadores nacionales. Es necesario que el Salón vuelva a sea incluyente, introduciendo propuestas en pintura "tradicional", escultura monumental, grabado y demás técnicas, medios, formas y estilos que, siendo igualmente actuales, son invalidados injustamente por las políticas institucionales vigentes.
Así pues es prioritario que el Salón sea útil para la consolidación de artistas con obras serias y no que sea un medio para hacer circular curadores o reafirmar la obra de viejos artistas nacionales a través de la escogencia de un pequeño sector de nuevos artistas que simplemente replica un entendimiento del arte muy cuestionable y estrecho.


miércoles, 3 de mayo de 2017

Se viene el "Neuquén Contemporáneo Huellas" (Parte 3)



Si se trata de proponer ideas para un evento cultural podría seguir varias semanas más, pero siento que alargar estas publicaciones puede resultar contraproducente y más de alguno podría enojarse o quitarme el saludo, como ya me está pasando.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

Lo que sucede es que uno puede tener muy buenas intenciones, pero los artistas (incluso los contemporáneos) se sienten ofendidos si se les propone hacer "algo" y es comprensible porque se supone que arte es sinónimo de creatividad. ¿Quién soy yo para decirle a un colega lo que tiene que hacer? Es un asunto de identidad ¿no?

lunes, 1 de mayo de 2017

¡Feliz Día del Trabajador a todos los artistas!


A los viejos y a los niños; a los famosos y a los anónimos. A los que enseñan siendo niños y a los que aprenden siendo viejos. A los virtuosos que nos maravillan y a los que se esfuerzan por superar obstáculos.

El mundo sería muy poco sin el arte. Sin las canciones, sin las pinturas, sin la danza, sin el teatro, sin el cine, sin la literatura, sin la poesía, sin la fotografía, sin la escultura y sin los monumentos que fueron marcando -siglo a siglo- la presencia del hombre. Porque en cada época encontramos un testimonio de un artista; de un creador. Muchas veces anónimo y otras, consagrado en el firmamento de las estrellas.

Todos han hecho su aporte y trabajan por expresar y conferir belleza a este mundo que compartimos y que es el único que tenemos.








miércoles, 26 de abril de 2017

Se viene el "Neuquén Contemporáneo Huellas" (Parte 2)

El Neuquén Contemporáneo es un evento que organiza la municipalidad de Neuquén cada dos años. Está destinado preferentemente a las manifestaciones relacionadas con el arte contemporáneo. Este año el tema es "Huellas".

Considerando el éxito que tuvo la primera entrega y que había prometido una segunda, esta vez pongo a consideración de nuestros fieles lectores dos nuevas propuestas.

Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas

Nota de la redacción:
Los dos temas sugeridos en esta segunda entrega están relacionados con el pasado.

Huellas del pasado



Más que por sus hidrocarburos, Neuquén es conocida en el país y en el mundo por los descubrimientos paleontológicos y en particular por las huellas de dinosaurios descubiertas en Villa El Chocón. Hay pocos lugares en el mundo que tengan este testimonio de lo que pasaba en el planeta en aquellos tiempos prehistóricos.

Ahora bien, como consecuencia de la actual baja del lago del embalse, que está entre 6 y 7 metros por debajo de su nivel habitual por la gran sequía, se han revelado muchas más huellas e incluso más claras que las que estaban a simple vista.


miércoles, 19 de abril de 2017

Se viene el "Neuquén Contemporáneo Huellas"

El Neuquén Contemporáneo es un evento que organiza la municipalidad de Neuquén cada dos años. Está destinado preferentemente a las manifestaciones relacionadas con el arte contemporáneo. Este año el tema es "Huellas".


¡Ah, qué tema más inspirador! Ustedes no se imaginan la cantidad de ideas que golpean el interior de mi cráneo, se entrechocan y corren presurosas por encontrar la salida.


Por Rubén Reveco - Licenciado en Artes Plásticas


Yo sé muy bien que organizar un evento de esta magnitud cuesta dinero para nuestro municipio (los proveedores tendrán que seguir esperando). Por ejemplo, hay que pagarle al curador que tendrá la dura responsabilidad de seleccionar y orientar a los inexpertos artistas que -al abandonar sus lápices, pinceles, cinceles y pigmentos- empiezan por primera vez a incursionar por el fascinante mundo del arte contemporáneo: donde todo vale y todo es posible.
Es por esto (y por mucho más) que me atrevo -mitad en broma y mitad en serio- a sugerir algunas ideas. Aclaro: esto le saldrá gratis a los contribuyentes.


Nota de la redacción:
Los dos temas sugeridos en esta primera entrega están relacionados al espacio exterior.

sábado, 15 de abril de 2017

Carlos Bruscianelli: "En el realismo consigues esfuerzo, talento, oficio y disciplina"



El joven y talentoso pintor se refirió a sus inicios, influencias, la situación del realismo en su país, Venezuela y además abrió el debate acerca del problema en torno a la estafa en el arte: la dudosa originalidad y autenticidad de ciertas obras que se venden como pintura cuando no lo son. 


Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com
Argentina 

BLOG


Carlos Bruscianelli es un pintor realista nacido en Caracas, Venezuela el 10 de marzo de 1980. Su interés por el dibujo aparece de niño mostrando especial predilección por los comics. “Mazinger Z era un tema recurrente cuanto tenía cuatro o cinco años y espero pintarlo de nuevo en algún momento”, comenta el creador que a los 24 años de edad comenzó a estudiar arte de manera formal influenciado por la obra de una gran cantidad de artistas, entre ellos Luis Royo, Boris Vallejo, Giger o Frank Frazetta, entre otros. “Pero ocupa un lugar muy especial la pintora venezolana Patrizia Rizzo, quien me dio clases muchos años y definitivamente logró que me dedicara a esto”, explica Carlos que en el año 2004 ingresa al Museo Tesari-Rizzo para estudiar dibujo y pintura.
La decisión de iniciarse como pintor implicó cambios importantes porque el joven dejó de lado la carrera de ingeniería civil. “Sentí que era mucho más gratificante hacer arte, sentía que tenía condiciones naturales y pensé que era mejor ser un pintor regular o bueno -pero pintor-, que un mal Ingeniero Civil… ¡quizás salve muchas vidas!”, reflexiona con humor el artista plástico influenciado en este momento por la corriente hiperrealista que exige técnica, oficio y minuciosidad al extremo (en definitiva, entrenamiento constante).
En la pintura del venezolano se destaca la incursión en el mundo de los bodegones, que supone infinitas posibilidades creativas en cuanto a la composición, estudio de luz, elección de elementos, colores y texturas. 






domingo, 9 de abril de 2017

El Domingo de Ramos en el arte


Hoy es Domingo de Ramos, el día en que los cristianos recuerdan la entrada triunfal de Cristo en Jerusalén antes de su pasión, muerte y resurrección. El arte ha representado en vitral, pintura, escultura y cine este momento a lo largo de la historia cristiana.

Fragmento de la opera rock Jesucristo Superstar - Entrada de Jesús a Jerusalén.


Domingo de ramos, de qué trata una de las celebraciones clave de la liturgia cristiana. Es la conmemoración que da inicio a la Semana Santa para todos los cristianos del mundo.
El domingo de ramos es una festividad religiosa clave en la liturgia cristiana que conmemora el ingreso de Jesucristo a Jerusalén y da comienzo a la Semana Santa. La fecha es celebrada por todos los cultos cristianos, en especial por la Iglesia Católica que realiza misas especiales en la que los fieles acuden con ramas de olivo.
La narración evangélica de la Biblia (libro de Juan 12:13) describe cómo Jesús de Nazaret ingresó triunfante a Jerusalén y fue aclamado por una multitud. Antes de la entrada, Jesús se detuvo en Betania y Betfagé, y el Evangelio de Juan añade que cenó con Lázaro y sus hermanas María y Martha.
De acuerdo con la narrativa cristiana, la gente que lo recibió cantaba un Salmo: Bendito es el que viene en el nombre del Señor. Bendito es el enviado del Reino de Nuestro Padre (David).

sábado, 25 de marzo de 2017

¿Por qué la mayoría odia a Marta Minujín?



En su edición de hoy, el diario Infobae, publica una amplia entrevista a Marta Minujín, la artista más mediática de la Argentina.
Si bien (y como siempre) el diario es complaciente y halagador, contrasta con los comentarios de sus lectores.


¿Por qué no se quiere a esta diva? Cosa rara porque estos personajes deberían monopolizar un fervor casi incondicional. Es lo que pasa casi siempre con las estrellas que han llegado a un umbral muy alto de popularidad, pero a Marta Minujín la mayoría la detesta. Y esto se hace manifiesto por razones políticas, económicas, ideológicas y, por último, artísticas.

miércoles, 8 de marzo de 2017

Las obras maestras sin sus protagonistas



José Manuel Ballester, el español que vacía las obras maestras de la pintura. Quitando a todas las figuras humanas logra un efecto inquietante.


Las pinturas de El Bosco, El Greco, Goya, Velázquez -entre otros- son "victima" del fotógrafo José Manuel Ballester. Este se “apropia” de los espacios representados en una selección de pinturas, vaciándolos de la presencia humana y generando con ello nuevas narrativas. 



miércoles, 1 de marzo de 2017

Las ocho razones que hacen posible el Arte Contemporáneo



El arte contemporáneo funciona como un eficiente engranaje que incluye o excluye según decisión del stabliments. Cada pieza cumple un rol determinado pero con un solo objetivo: dinero.  Su interior está motorizado por un relato que tiene como fin la transacción comercial en valores escandalosos e injustificados. Si no hay suficientes “jóvenes emergentes” incluyen a artistas ya desaparecidos o que su obra aún no haya ingresado a los museos, espacio que algunas veces protege al arte de la rapacidad especulativa.


Por Rubén Reveco
Licenciado en Artes Plásticas

Las artes plásticas (perdón: artes visuales) ya no son lo de antes, cuando el artista (pintor, dibujante, grabador y escultor) trabajaba en la soledad de su taller sin más perspectiva y esperanza que la calidad de su trabajo se imponga a la indiferencia siempre inculta.
Ahora las cosas han cambiado, el artista (o el que quiera ser artista) ya no está solo en el maravilloso pero también ingrato mundo de la creación. Existe todo un dispositivo presto ha determinar cuál es el camino que debe seguir para que no dude; y este camino siempre lleva a un solo lugar: la comercialización. 
Existe a nivel mundial artistas, curadores, museos, bienales, críticos, mercado, subastas, auspicio, promoción... todo determinado por una compleja estructura y una competitividad sólo comparable a la de Wall Street.