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domingo, 31 de julio de 2016

El desnudo del día: Dongho Kang

Dongho Kang es un ilustrador coreano especializado en arte digital. Tiene como tema preferido a bellas, exuberantes y temidas guerreras.


sábado, 30 de julio de 2016

El desnudo del día: Gennadiy Koufay

Gennadiy Koufay nació en 1961 en la ciudad de Sebastopol, Crimea (Rusia) en la pintoresca costa del Mar Negro. Debe su imaginación a su padre, un brillante ingeniero que lo alentó desde los cuatro años a dibujar.



ARGENTINA: Los 10 mejores pintores realistas


Argentina es una gran reserva de arte realista. A pesar del anti-arte (Performance, conceptualismo, instalaciones, etc.) establecido como ley por el oficialismo institucional, los artistas argentinos han vuelto no sólo a pintar, sino que han vuelto al arte realista. Estudian, preguntan de taller en taller, se intercambian información, investigan en Internet preocupados por conocer y estudiar el oficio, la factura y la permanencia en el tiempo de la obra de arte como fiel testimonio de su época.

Como ya lo hemos explicado, para esta selección no es necesario que estén radicados en su país de origen, pero sí que aun conserven su nacionalidad y estén vivos. Sepan disculparme los que han quedado afuera de esta arbitraria selección (en algunos casos por ser muy jóvenes y en otros por tener poca obra). Todos -los que están y varios que quedaron afuera- son excelentes artistas.

Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

1) Helmut Ditsch

Helmut Ditsch (Villa Ballester, Buenos Aires, 1962) es un artista plástico argentino contemporáneo. Sus obras se inspiran en puntos extremos de la naturaleza y son elaboradas sobre lienzos que alcanzan dimensiones monumentales.
Es uno de los más importantes artistas independientes del mundo.




Helmut Ditsch tiene una postura muy definida en el escenario de las artes plásticas. Le tocó sentirse totalmente excluido del actual círculo de poder integrado por galeristas, críticos, curadores, periodistas y seudo-artistas. Círculo que ha degradado el talento y el trabajo de muchos pintores que siguen eligiendo al realismo para desplegar sus capacidades expresivas.
Helmut Ditsch tiene sus convicciones que, por supuesto, se pueden compartir o no, pero lo que conmueve y habla por sí solo -sin necesidad de explicaciones- es su obra. Este pintor posee una técnica impecable y reivindica en sus cuadros la vida, la felicidad, la creación y lo hace con una entrega absoluta. Para aproximarse a los grandes interrogantes del ser humano, contempla las manifestaciones presentes en la naturaleza. Ahí mismo, entre los mares, los glaciares y los desiertos la vida se muestra como instinto espontáneo, como fuerza enfrentada a otras fuerzas, en un proceso donde nada permanece estable.
“El triunfo de la pintura” es, sin dudas, el triunfo de la belleza. (Fuente)


viernes, 29 de julio de 2016

miércoles, 27 de julio de 2016

El desnudo del día: Franco Fusari

Franco Fusari es un dibujante italiano. Su temática es exclusivamente el desnudo. Su dibujo es simple, sin grandes pretensiones y muy depurado.


"Nacido en 1945, he estado viviendo en Venecia y Verona. Mi padre era escultor en mármol y por parte de mi madre de la familia hay muchos antepasados ​​que fueran pintores y escultores. Cabe destacar entre ellos era Angelo Pizzi, uno de los favoritos de Napoleón que, después de la conquista de Venecia en 1797, fue nombrado Director de la Academia de Bellas Artes y lo contrató para crear la napoleónica de pasillo en la plaza de San Marcos, delante de la catedral de San Marcos en Venecia. Mis obras de arte se venden en muchas galerías de arte en todo el mundo, especialmente en EE.UU., Reino Unido, Finlandia y la India y se exhiben en algunos museos, como el Museo de Bellas Artes del Condado de Washington y el Museo Bass de Arte en Miami. A menudo trabajo por encargo, haciendo retratos (cara, la mitad de la longitud o de larga duración, vestida o desnuda, a partir de fotos o pose). También puedo usar los medios (piedra negro y / o arcilla con óxidos naturales), los materiales (Fabriano o papel hecho a mano) y las técnicas de dibujo utilizado por los artistas del Renacimiento italiano".



El artista


My father was a sculptor who specialized in marble. On my mother's side of the family are many ancestors who were painters and sculptors. Notable among them was Angelo Pizzi, a particular favourite with Napoleon who, after conquering Venice in 1797, nominated him to the post of Director of Accademia di Belle Arti (Fine Art Academy) and contracted him to create the Napoleonic Aisle in Piazza San Marco (St. Mark’s square), in front of San Marco Cathedral in Venice. 

I began to draw and to paint under guidance of my grandfather, sculptor, and my uncles, painters: in watercolors when I was 5 and in oils at the age of 8. I studied at the Scuola d'Arte e Mestieri (Art and Craft School) in Vicenza and at the Accademia di Belle Arti in Venice. At the age of 25 I was married and I had to change completely my activities in order to provide a family, in those days it was very difficult in Italy to earn one's living making art only. But I had been dedicating all my free time to art. Since it was necessary to start an art work at any point and in bad light conditions also, I had to abandon oil panting and use more simple media (pastel, Chinese ink, classical ink, charcoal, pencil). In this way I was able to draw without worrying about sales, in complete freedom but having little time at my disposal. In 2009 I’ve closed all my previous activities an now I can dedicate my time to drawing exclusively. 
Until now I didn’t spend much time on commercialisation of my works. In this moment I’m represented in private collections in Italy, Germany, Austria, Denmark and France, in art galleries in the United States, England, Finland and India and in public collections such as the Washington County Museum of Fine Arts, the Bass Museum of Art of Miami.Artist's Statement.

My work is the expression of my own love for the beauty and the grace of the feminine eyes, face and body, alpha and omega of every beauty as such as in antique Greece and Venice renaissance. Nevertheless, the beauty and the grace are not, for me, the ideal of perfection only, but the primordial energy of desire that pulses, mysterious and rampant, in alive bodies and condenses in superbly sensual forms. Bodies with beauty and silkiness of a flower, not in the sense of compositional perfection only, but in that one more literal of «the flower that gives life».

For this reason, the particularity of every model is very important for me and fundamental to my creative process, the model being, in a sense, the co-author of the art. 

This beauty and this grace, however, are ephemeral and I don’t want let them corrupt. 
I want to see the splendor of the beauty in the woman who is posing and the grace she exteriorizes it with, being me participant of the vision of this marvellous secret garden. I want to catch and to fix this splendor in its essential forms and interpret it on paper so that it could fade away slowly, very slowly, such as pastels in the sunlight. 
I prefer to work with pastel on watercolor paper, just because the pastel is impermanent but I work with ink, watercolor, pencil and charcoal also. 
With liberty of expression and precision in what I want to achieve, I can mix any technique, color or material at will and create more freely.


martes, 26 de julio de 2016

¿Puede un palo de escoba ser una obra de arte?



Cuando un palo de escoba es exhibido como "objeto estético" en un museo, queda claro que galerías, críticos, mecenas y profesores se han conjurado para engañar a todos y destruir el concepto que tenemos sobre el hecho artístico

Por Mario Vargas Llosa
Diario El País

Para olvidarme del Brexit, fui a conocer el nuevo edificio de la Tate Modern en Londres y, como esperaba, me encontré con la apoteosis de la civilización del espectáculo. Tenía mucho éxito, pues, pese a ser un día ordinario, estaba repleto de gente; muchos turistas, pero, me parece, la mayoría de los visitantes eran ingleses y, sobre todo, jóvenes.
En el tercer piso, en una de las grandes y luminosas salas de exposición había un palo cilíndrico, probablemente de escoba, al que el artista había despojado de los alambres o las pajas que debieron de volverlo funcional en el pasado -un objeto del quehacer doméstico-, y lo había pintado minuciosamente de colores verdes, azules, amarillos, rojos y negros, series que en ese orden -más o menos- lo cubrían de principio a fin. Una cuerda formaba a su alrededor un rectángulo que impedía a los espectadores acercarse demasiado a él y tocarlo. Estaba contemplándolo cuando me vi rodeado de un grupo escolar, niños y niñas uniformados de azul, sin duda pituquitos de buenas familias y colegio privado a los que una joven profesora había conducido hasta allá para familiarizarlos con el arte moderno.
Lo hacía con entusiasmo, inteligencia y convicción. Era delgada, de ojos muy vivos y hablaba un inglés muy claro, magisterial. Me quedé allí, en medio del corro, simulando estar embebido en la contemplación del palo de escoba, pero, en verdad, escuchándola. Se ayudaba con notas que, a todas luces, había preparado concienzudamente. Dijo a los escolares que esta escultura, u objeto estético, había que situarlo, a fin de apreciarlo debidamente, dentro del llamado arte conceptual. ¿Qué era eso? Un arte hecho de conceptos, de ideas, es decir de obras que debían estimular la inteligencia y la imaginación del espectador antes que su sensibilidad pudiera gozar de veras de aquella pintura, escultura o instalación que tenía ante sus ojos. En otras palabras, lo que veían allí, apoyado en esa pared, no era un palo de escoba pintado de colores sino un punto de partida, un trampolín, para llegar a algo que, ahora, ellos mismos, debían ir construyendo -o, acaso, mejor decir escudriñando, desenterrando, revelando- gracias a su fantasía e invención. A ver, veamos ¿a quién de ellos aquel objeto le sugería algo?



Chicos y chicas, que la escuchaban con atención, intercambiaron miradas y risitas. El silencio, prolongado, lo rompió un pecosito pelirrojo con cara de pícaro: "¿Los colores del arcoíris, tal vez, Miss?". "Bueno, por qué no", repuso la Miss, prudentemente. "¿Alguna otra sugerencia u observación?" Nuevo silencio, risitas y codazos. "Harry Potter volaba en un palo de escoba que se parecía a éste", susurró una chiquilla, enrojeciendo como un camarón. Hubo carcajadas, pero la profesora, amable y pertinaz, los reconvino: "Todo es posible, no se rían. El artista se inspiró tal vez en los libros de Harry Potter, quién sabe. No inventen por inventar, concéntrense en el objeto estético que tienen delante y pregúntense qué esconde en su interior, qué ideas o sugestiones hay en él que ustedes puedan asociar con cosas que recuerdan, que vienen a su memoria gracias a él".
Poco a poco los chiquillos fueron animándose a improvisar y, en tanto que algunos parecían seguir las instrucciones de la Miss y proponían interpretaciones que tenían alguna relación con el palo de escoba pintado, otros jugaban o querían divertir a sus compañeros diciendo cosas disparatadas e insólitas. Un gordito muy serio aseguró que ese palo de escoba le recordaba a su abuela, una anciana que, en sus últimos años, se arrastraba siempre con la ayuda de un bastón para no tropezar y caerse. A medida que pasaban los minutos mi admiración por la profesora aumentaba. Nunca desfalleció, nunca se burló ni se enojó al oír las tonterías que le decían. Se daba cuenta muy bien de que, si no todos, la mayoría de sus alumnos se habían olvidado ya del palo de escoba y del arte conceptual, y estaban distrayendo su aburrimiento con un jueguecito del que ella misma, sin quererlo, les había dado la clave. Una y otra vez, con una tenacidad heroica, mostrando interés en todo lo que oía, por burlón y descabellado que fuera, los volvía a traer al ?objeto estético' que tenían al frente, explicándoles que ahora sí, por todo lo que estaba ocurriendo, comprendían sin duda cómo aquel cilindro de madera decorado con aquellos intensos colores, había abierto en todos ellos una compuerta mental por la que salían ideas, conceptos, que los regresaban al pasado y los retrotraían al presente, y activaban su creatividad y los volvían más permeables y sensibles al arte de nuestros días. Ese arte que es diametralmente distinto de lo que era bello y feo para los artistas que pintaron los cuadros de los clásicos que habían visto hacía unos meses en la visita que hicieron a la National Gallery.
Cuando la perseverante y simpática Miss se llevó a sus alumnos a explorar, en esa misma sala del nuevo edificio de la Tate Modern, un laberinto de petates de Cristina Iglesias, yo me quedé todavía un rato frente a este "objeto estético", el palo de escoba pintado por un artista cuyo nombre decidí no averiguar; tampoco quise saber el título con que había bautizado a su "escultura conceptual". Pensaba en la difícil empresa de esa profesora: convencer a esos niños de que aquello representaba el arte de nuestro tiempo, que había en ese palo pintado toda esa suma de que consta una obra de arte genuina: artesanía, destreza, invención, originalidad, audacia, ideas, intuiciones, belleza. Ella estaba convencida de que era así, porque, en caso contrario, hubiera sido imposible que asumiera con tanto empeño lo que hacía, con esa alegría y seguridad con la que hablaba a sus alumnos y escuchaba sus reacciones.
¿No hubiera sido una crueldad hacerle saber que lo que hacía, en el fondo, con tanta entrega, ilusión e inocencia, no era otra cosa que contribuir a un embauque monumental, a una sutilísima conjura poco menos que planetaria en la que galerías, museos, críticos ilustrísimos, revistas especializadas, coleccionistas, profesores, mecenas y negociantes caraduras, se habían ido poniendo de acuerdo para engañarse, engañar a medio mundo y, de paso, permitir que algunos pocos se llenaran los bolsillos gracias a semejante impostura? Una extraordinaria conspiración de la que nadie habla y que, sin embargo, ha triunfado en toda la línea, al extremo de ser irreversible: en el arte de nuestro tiempo el verdadero talento y la picardía más cínica coexisten y se entremezclan de tal manera que ya no es posible separar ni diferenciar una de la otra. Esas cosas ocurrieron siempre, sin duda, pero, entonces, además de ellas, había ciertas ciudades, ciertas instituciones, ciertos artistas y ciertos críticos, que resistían, se enfrentaban a la picardía y la mentira, y las denunciaban y vencían. Integraban esa demonizada élite que la corrección política de nuestra época ha mandado al paredón. ¿Qué ganamos? Esto que tengo en frente: un palo de escoba con los colores del arcoíris que se parece a aquel con el que Harry Potter vuela entre las nubes.

El desnudo del día: Charles Pompilius

Charles Pompilius es un pintor nacido en EEUU en 1954.

lunes, 25 de julio de 2016

El desnudo del día: Kamille Corry


Realist painter Kamille Corry was born in 1966 in Houston, Texas. Her art education took place primarily in Florence, Italy from 1987 to 1990 where she pursued etching studies at Il Bisonte and drawing and painting at Studio Cecil-Graves. Corry also trained extensively with painter D. Jeffrey Mims in Florence and North Carolina. She was later an assistant instructor to Mims at The Florence Academy's summer workshop. 

Corry has exhibited throughout the South, including Washington, DC, and at New York's Salmagundi Club. Numerous shows in her beloved Utah have showcased her paintings. Awards include the prestigious Elizabeth Greenshields Foundation Grant, the Director's Award for the Spring Salon at the Springville Museum of Art in Utah and the Achievement Award for the Florence Academy of Art Alumni Exhibition in San Francisco, California. 
Currently residing in Salt Lake City, Utah, Corry's work focuses on the figure while incorporating visions of Utah's stunning landscape. Her paintings reflect classical training and fine craftsmanship, rendering the figure in a modern, provocative light. In 2002, Corry started a small art academy in Salt Lake City for intensive studies in the figurative arts.


La artista.



domingo, 24 de julio de 2016

El desnudo del día: Dai Zhongguang

Dai Zhongguang es un pintor chino de la etnia buyi. Nació en 1949.

Dai Zhongguang is a Chinese visual artist who was born in 1949. Several works by the artist have been sold at auction, including 'NUDE' sold at Poly International Auction Co. 'A Selection of Chinese Realist Paintings from Asian Collector (Dutch Auction)' in 2011.
Enjoy Painting
"Matisse said that his paintings are easy chair, I hope my paintings can be so. Worldly things too annoying, boring thing more. The air is full of restlessness. Quiet, agreeable, clear feeling has become a luxury.
Several theories of art, such as the traditional Tireless, all kinds of unconventional thinking and emerging on political, social, life, contemporary philosophy, which the burden of pressure in the painting, once so I know what to do and very depressed, and now talking about this topic I have a headache.
One day sleepless night. Moonlight, south window alone pour, like drunk on the occasion, suddenly epiphany - my generation simply stupid people, to do simple things Bale. Videos I want - simple, fresh, hazy, soft. Plain natural state of mind, the theme handy pen colors casual, loose freely. Amuse and entertain the people, really fun.

El artista

sábado, 23 de julio de 2016

El desnudo del día: Bo Bartlett

Bo Bartlett nació en Estados Unidos en 1955. A la edad de 19 años viajó a Florencia, Italia. En 1975 regresó a los Estados Unidos, donde estudió en la Universidad de las Artes en Filadelfia, y después la Academia de Bellas Artes de Pensilvania . También estudió anatomía en la Facultad de Medicina Osteopática de Filadelfia. 
Bo Bartlett es un realista con una visión modernista. Sus pinturas están dentro de la tradición del realismo estadounidense tal como se define por artistas como Thomas Eakins y Andrew Wyeth. Al igual que estos artistas, Bartlett mira a la tierra y la gente de los Estados Unidos para describir la belleza que encuentra en la vida cotidiana. 


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El artista.

viernes, 22 de julio de 2016

El desnudo del día: Jerome Witkin

Las pinturas de Jerome Witkin presentan escenas de proporciones épicas, que se relacionan con eventos de nuestros tiempos de crisis, drama y emoción humana. Es uno de los mejores pintores realistas en la actualidad. De forma independiente, cada uno de ellos aporta a su práctica una complejidad de referencias de la historia del arte que están intrínsecamente ligadas a su propio trabajo.


Jerone tiene un hermano gemelo -Joel Peter- que es fotógrafo y suelen exponen juntos. Se criaron y han vivido casi toda su vida en Estados Unidos. A pesar de esto, sus obras no parecen estar arraigadas a una estética “norteamericana”, tal vez debido a su propia historia como hijos de inmigrantes, lo que explica en parte su “no pertenencia”. Sus obras resuenan en un contexto visual y cultural de una sensibilidad mexicana: cuando las vemos aquí no se sienten tan ajenas o “extrañas”.

jueves, 21 de julio de 2016

Adam Styka, desde Oriente con buen humor



Este fue un pintor que le gustaba representa la alegría. Fue un excelente dibujante y colorista, y se interesó por captar ese lado amable de los pueblos del norte de Africa. Además de las amplias sonrisas siempre estuvo presente en sus obras un toque de despreocupado erotismo.


El artista polaco Adam Styka (1890-1959), hijo del también pintor Jan Styka, estudió en la Academia Francesa de Bellas Artes y en la Academia Militar en Fontainebleau. Sirvió en la artillería durante la Primera Guerra Mundial, fue condecorado y obtuvo la ciudadanía francesa. Con la ayuda del gobierno de ese país, visitó las colonias francesas en el norte de África, donde se interesó en la temática oriental, característica de su obra.
Destaca su serie ‘Idilio oriental’ en la que representa parejas (a veces tríos) de árabes en actitud romántica. Su habilidad de transmitir a sus cuadros los colores vibrantes y los fuertes contrastes del desierto del Sahara le valió la denominación de “maestro de la luz del sol”.

También representó escenas del salvaje oeste americano y, al final de su vida, realizó cuadros de carácter religioso católico. Sus obras han sido expuestas en países de Europa y América.



El desnudo del día: Juliette Aristides

Juliette Aristides nació en Estados Unidos, es una pintora con clara influencia del romanticismo del siglo XIX. Toda su obra está influenciada por este estilo, por momentos tenebroso o por momentos idealizado.


Juliette Aristides is a Seattle-based painter who seeks to understand and convey the human spirit through art. Founder and instructor of the Aristides Atelier at the Gage Academy of Art in Seattle, WA, she teaches workshops both nationally and internationally. She the author of The Classical Drawing Atelier, The Classical Painting Atelier, and Lessons in Classical Drawing published by Watson-Guptill, NY and a frequent contributor to Artist’s Magazine. Aristides’ work has been featured in magazines such as Art Connoisseur, American Art Collector, American Artist, and Gulf Connoisseur Magazine. She exhibits in one-person and group shows nationally.

La artista.

miércoles, 20 de julio de 2016

El desnudo del día: Steve Smulka

Steve Smulka es un pintor hiperrealista nacidp en EEUU. En su producción se encuentran pocos desnudos como el que mostramos hoy.


Steve Smulka has garnered international recognition for his novel approach toward contemporary realism. Extending the focus of photorealism to accommodate traditional elements of landscape painting and portraiture, the artist exemplifies the generative potential and inclusivity of contemporary visual practice as it erodes classical genre distinctions. Balancing immediacy of expression with technical perfection, his works reflect an extraordinary aptitude and profound enthusiasm for capturing natural light in two dimensions. His signature motif, the meticulous reproduction of oversized bottles, jars, and decanters, has earned him particular attention from critic J. Bower Bell, who writes, “Each work is lovingly crafted; the treatment of glass profound, mature, the skill, awesome; but it is the light that matters, the light that is somehow transformed by facility of hand and felicity of brush into a compelling icon. This mysterious alchemy of craft, vision and cunning turns paint into light and light into magic.”
Smulka was born in Detroit and studied at the University of Massachusetts and the School of Visual Arts in New York under acclaimed photorealistic painter Chuck Close. He is a two-time recipient of the Pollock-Krasner Foundation Grant and his work has been collected by the Aldrich Contemporary Art Museum, Mobil Oil, and Continental Group, among others.
Steve and his wife, Ginny, currently work and reside in Santa Fe, New Mexico.


El artista.

martes, 19 de julio de 2016

El desnudo del día: Taras Loboda

Taras Loboda es un pintor ucraniano, nació en 1961, en la familia de un destacado artista de Ucrania. En 1985, se graduó en la Academia de Arte de Kiev. Taras ha estado viviendo en Praga desde 1993 con su familia. Trabajando en su estudio con sede en Praga, exposiciones Taras y vende su arte en todo el mundo.


lunes, 18 de julio de 2016

domingo, 17 de julio de 2016

"Belsabé", una escultura de Benjamin Victor

Betsabé

Conocí a este escultor por su obra "Belsabé". Lo que demuestra, una vez más, que en muchos casos la obra precede al artista.


"Belsabé" es una obra que circula mucho en la web y es una de las referentes de la escultura realista contemporánea.
Según el Segundo Libro de Samuel 11, el rey David vio desde la azotea del palacio a una hermosa mujer bañándose. Quiso David informarse sobre la mujer y le dijeron que se trataba de Betsabé, hija de Eriám y mujer de Urías el hitita. David envió gente que la trajese a sus habitaciones, y tuvo relaciones con ella a raíz de las cuales ella quedó embarazada. Betsabé envió a decir a David que ella estaba encinta y desde ahí, en más, empezaron los problemas.











Benjamin Matthew Victor nació en Estados Unidos el 16 de enero de 1979. Es un escultor y profesor de arte en la Universidad Estatal de Boise.
Ha realizado numerosos encargos de la ciudad donde vive, instituciones y organizaciones no lucrativas para trabajos de arte públicos, a menudo para conmemorar a personalidades o grupos.


El desnudo del día: Soey Milk

Soey Milk es una joven artista de origen oriental nacida en Estados Unidos. Está en pleno proceso de búsqueda artística, pero ya ha demostrado tener mucho talento.

Though she is still a student, Soey Milk’s name has been on the lips of many in the art world as the young artist’s work continues to appear in galleries and art fairs — from the recent exhibition, “Supersonic Electronic Invitational,” at Spoke Art to Corey Helford Gallery’s booth at Scope Miami Beach during the most recent Miami Basel Week. This early foray into the gallery world hasn’t stopped Milk from experimenting with her style. When Hi-Fructose visited the artist in her quiet Hollywood studio last weekend, she discussed her new interest in textiles from all over the world — a fascination that has made its way into the colorful, abstract drapery in her latest paintings.

While Milk has a penchant for photorealist precision, she became disillusioned with perfectionism when a painting arrived back to her in the mail completely damaged, with a dirty foot print over the delicately-painted face over which she had labored. This moment was a wake-up call: Milk began to free her hands, allowing them to make looser paint strokes and etchings with the other side of the brush. Her current work maintains a sense of realism in the carefree, female figures’ faces and bodies, but these muses appear to float away in the imaginary cloudscapes of tapestry-like colors. I documented Milk’s works-in-progress that will appear at Thinkspace’s booth at Scope New York in March and “Pow! Wow!: Exploring the New Contemporary Art Movement” at the Honolulu Museum Of Art School, February 8-15. Take some photos from our visit below. (Fuente)



La artista.


sábado, 16 de julio de 2016

El desnudo del día: Patricia Watwood

Patricia Watwood nació en Estados Unidos. En Washington comenzó a estudiar en la Academia de Arte Realista. En 1998 viajó a Francia. Allí, estudió con el artista estadounidense Ted Seth Jacobs. A su regreso a Nueva York, Watwood completó su maestría en Bellas Artes en 1999.
Su estilo es denominado clasicismo contemporáneo, ya que combina técnicas de la pintura clásica con lenguajes de representación contemporáneos. Sus pinturas viajan a través de los mundos de la mitología, la alegoría y la vida humana contemporánea.

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viernes, 15 de julio de 2016

El desnudo del día: Zack Zdrale

Zack Zdrale es un pintor nacido en EEUU. Realista en lo formar pero con un pequeño toque surrealista en lo conceptual. Muy interesante.


miércoles, 13 de julio de 2016

La mejor pintura del descubrimiento de América


 "El descubrimiento de América por Cristobal Colon", es un cuadro de gran tamaño. (4,10 m x 2,64 m), pintado por Salvador Dalí (1956-1957), se encuentra en el "Salvador Dali Museum", de Florida, EEUU.


Salvador Dalí -que era un loco lindo- pintó sus mejores obras a partir de los 50 años. Cuando tenía 55 años, realizó su propia interpretación del "Descubrimiento de América", y que poco tiene que ver con los acontecimientos históricos. Al mismo tiempo el cuadro es un homenaje a Diego Velázquez, una alusión a Cataluña y un retrato de Gala, su mujer.
"Ustedes entenderán más tarde"

Dalí representa a Colón como un joven. Está vestido con una túnica, a la manera de griegos clásicos. Con una mano tira de la cuerda para acercar el barco a la orilla, con la otra mano sostiene un estandarte.
En esta época (mediados del siglo XX) Dalí estaba interesado en los temas religiosos. Por lo tanto, Colon está representado como un enviado para evangelizar al Nuevo Mundo, varios elementos hacen alusión a la Iglesia y su papel evangelizador: El estandarte, representa Gala como si fuera la Virgen María. La túnica cae, pasa por la pierna de Colón hasta los brazos del monje, que está de rodillas delante de la cruz. A la derecha está representado "El Cristo de San Juan de la Cruz", también obra de Dalí. El cuadro, además, es un homenaje a Velázquez. Sabemos que Dalí lo admiraba, (de él copió su bigote). Para ello se inspiró de las lanzas del cuadro de Velázquez "La rendicion de Breda", las lanzas en el cuadro de Dalí terminan en cruz.
Dalí tampoco olvida Cataluña, según algunas teorías las banderas roja y amarilla, recuerdan los colores catalanes.
En la parte izquierda esta el obispo San Narciso patrón de Girona, transparente, como si fuera un fantasma con su "bastón episcopal" evoca al pastor que conduce a sus fieles, al fondo se encuentran varias cruces pequeñas, rodeadas de insectos que hacen alusión a San Narciso, mártir catalán. Según la leyenda, en 1285 entraron en Girona las tropas francesas que fueron atacadas por moscas que salieron de la tumba del santo, los asaltantes se vieron obligado a huir.
La carabela representada es la Pinta, era la unica nave que tenía dos velas cuadradas, también fue la primera que vio "tierra", y la primera que regresó a España. El objeto más enigmático del cuadro es el "erizo" que aparece en primer plano. Le preguntaron a Dalí su significado, el pintor respondió: "Ustedes entenderán más tarde". En 1971 se anunció que representaba a la Luna. A través de este símbolo Dalí hace un paralelo entre la llegada de Colón a un Nuevo Continente y la llegada del hombre a la Luna (21 julio 1969).


El desnudo del día: Nobutaka Gondoh

Nobutaka Gondoh es un pintor (¿japonés?) con poca información en la web. Nos llamó la atención su obra entre lo pictórico, lo ilustrativo y lo gráfico.


martes, 12 de julio de 2016

Entrevista al pintor mexicano Ricardo Fernández Ortega



El lugar del azar en el arte, el "discurso abierto" de cada obra, la mirada de las mujeres que representa... Estos, entre otros temas, conversamos con el pintor mexicano Ricardo Fernández Ortega; uno de los más destacados del realismo contemporáneo. 
Toda la verdad de la pintura concentrada en su trabajo. 

Por Camila Reveco
Periodista cultural con especialidad en artes plásticas
camilareveco.mza@gmail.com

Las redes sociales siguen dándome gratas sorpresas y en esta oportunidad me han permitido encontrarme con el trabajo del pintor realista Ricardo Fernández Ortega (1971). Se trata de un artista mexicano que vive y trabaja desde la ciudad de Durango.
Minucioso y observador, cuida la técnica y el oficio de una forma sorprendente. Su forma de trabajar la luz es realmente excepcional. El contenido de su pintura está ahí... para dilucidar. Sus obras tienen un efecto de ensoñación mágica, te sumergen en una atmósfera de fantasía y éxtasis total. Las mujeres, hechizadoras y cautivantes, flotan con el alma en la mirada; detrás los increíbles cielos que se abren, las deslumbrantes nubes estallan. Cada cuadro se convierte en un viaje inagotable.
El azar es un punto de vital importancia dentro del proceso creativo del joven mexicano. A diferencia de otros pintores puntillosos como él, comienza sus cuadros sin saber exactamente qué resultados logrará. El potente resultado parece dominado por pulsiones no conscientes, oníricas tal vez; como si se tratara de un dictado irracional.
Inspirado en clásicos de la talla del pintor neerlandés Rembrant (1606-1669) -uno de los artistas del Barroco más valorados de la historia del arte- la obra de Ricardo Fernández Ortega es una imponente orquesta en donde se reúnen de manera proporcionada y armoniosa la poesía y la belleza, representadas en su máximo esplendor. Su pintura tiene la lógica de un sueño; y toda la grandilocuencia del cielo.
En la siguiente nota tocamos varios temas referidos al arte en general, la pintura y la trayectoria de este creador. Imperdible.

"Todo nuestro conocimiento nos viene de las sensaciones"
Leonardo Da Vinci

Entrevista al pintor realista Gabriel Sainz



En una entrevista exclusiva el pintor figurativo argentino se refiere a su obra, a los concursos de arte y a la figura del curador, entre otros temas. "Creo en una pintura que no necesite quién la explique redactando un largo exordio lleno de adjetivos y citas de frases de pensadores", dice.

Por Camila Reveco 
camilareveco.mza@gmail.com

Lo he dicho en varias oportunidades y la obra de este pintor argentino reafirma mi postura: la pintura figurativa está más viva que nunca gracias a exponentes virtuosos en todo el mundo. Este estilo pasa como una topadora frente a tantas propuestas reiterativas, frívolas, aburridas y vacías de contenido. Me refiero a la burbuja que cada día se infla un poco más (pero no termina de estallar) del auto denominado “arte contemporáneo”.
Pero vamos a lo nuestro: Gabriel Sainz nació en Buenos Aires, Argentina en febrero de 1967. Mostró interés por el arte desde niño y se formó en técnica de pintura con maestros de la talla de Antonio López, entre otros, demostrando tener un dibujo impecable, buena factura y oficio. La educación formal ya no enseña a pintar, hay que buscarse maestros, es la mejor decisión.
Conocí el trabajo de este artista argentino gracias a las redes sociales y me llamó mucho la atención los temas que elige y la manera particular que tiene al momento de representar nuestro entorno. Posee un mundo propio que surge de un amor genuino por la naturaleza y que demuestra la combinación de habilidades técnicas y creativas que resultan de un estilo muy personal. Su atención rigurosa la ha logrado después de años de estudio de la figura, la perspectiva y la composición.
Sainz es dueño de una pintura depurada. Su obra está llena de sorpresas y se nota que detrás de cada pincelada hay un creador que puede hacer -también- poesía. El resultado es excelente y demuestra que la creatividad, la belleza y la imaginación están lejos de desaparecer y que son fuerzas que laten y luchan por escapar desde el interior de un verdadero artista.