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lunes, 29 de febrero de 2016

En desnudo del día: Valentin Fischer

Valentin Fischer, alias Shu, es un artista alemán. Trabaja de forma digital aunque reconoce que le encanta dibujar y pintar. Pese a ello, su obra posee un estilo tradicional y conserva un aire analógico, ya que utiliza texturas escaneadas y trazos propios de la pintura con pincel. 
Sus trabajos tienen la típica impronta alemana: fríos y distantes.


domingo, 28 de febrero de 2016

Censuran al pintor Dario Ortiz Robledo



El reconocido artista colombiano Dario Ortiz Robledo ha sufrido la censura de una de sus pinturas que se iba ha exhibir en la muestra "Large Size", organizada por la IWS Switzerland. Este es otro de los riesgos de ser un pintor realista, aparece cualquier estúpido moralista y se cree con el derecho de prohibir que un artista comparta su obra.Es el propio Ortiz Robledo el que explica en su facebook la "triste historia de una censura" como la denomina.


"Desde el pasado domingo la directora del Museo Nacional de la Acuarela me notificó con palabras corteses, pero no por ello menos sorprendentes que ésta obra fue censurada por quienes están al frente del museo y que fue prohibida su exhibición en la muestra “Large Size” organizada por la IWS Switzerland, en la cual soy uno de los invitados especiales, porque el tema les parece inapropiado para una exposición de acuarela y para ese museo. 

Esto es algo difícil de aceptar y emocionalmente devastador que no me había pasado en 32 años de estar exponiendo en galerías y museos de muchos países con los temas más diversos. Esa es una decisión asombrosa que niega el esfuerzo que desde Don Benito Juárez millones de personas han hecho en éste país para tener mentes críticas y liberales. Más aún sabiendo que México se ha preciado de ser un refugio sereno y un remanso de paz para intelectuales, artistas, perseguidos políticos y religiosos del mundo entero, como los republicanos comunistas y ateos de la guerra civil española, Fidel Castro o García Márquez, entre muchísimos otros. Los artistas anticlericales en México se cuentan por centenares y han existido incluso antes de la revolución mexicana y su movimiento muralista, aquí plumas tan notables como las de Carlos Fuentes y Fernando Vallejo han escrito páginas de oro contra la iglesia y a favor de la libertad de conciencia, pero sin embargo parece que todavía hay quienes no saben que la Inquisición desapareció hace 200 años e imponen con su mediano criterio su pequeño poder. Valga aclarar que no existían restricciones de temática alguna en la invitación de la IWS Switzerland filial de Iws Globe y el Museo es completamente ajeno a la organización del evento ya que incluso alquiló el espacio a los organizadores, algo que demuestra aún más la arbitrariedad de sus directivas. Respeto sin embargo toda opinión que puedan tener sobre mi trabajo y estoy enviando otra obra para cumplirle a mis amigos y colegas de la IWS. No tengo eso si, ni paisajes bucólicos, ni remansos de ríos, ni retratos de niños felices, ni cuadros de flores que exponer ante los ojos castos de quienes desde organizaciones y museos han hecho de la acuarela la más banal de las técnicas artísticas y la han alejado completamente de todos los circuitos del arte contemporáneo. Aclaro a esas almas dolidas que censuraron la obra que “After…” no es retrato de papa alguno sino mi propio autorretrato algo caricaturizado como siempre y no asalté a ningún obispo para robarle su vestido ya que no es más que un disfraz cualquiera. La mujeres que aparecen allí son modelos que gentilmente posaron y sus honras no fueron mancilladas más que por las mentes oscuras de los observadores.

El vetar esta obra en un museo de Coyoacán, ni me silencia, ni borra uno solo de los millares de crímenes perpetrados por los eclesiásticos ni resuelve el inmoral encubrimiento y el palpable entorpecimiento de la justicia que de ellos han hecho sus superiores".


La obra.

La muerte de un joven pintor: Emmanuel Cruz Muñoz



Morir a los 35 años es muy injusto. Me enteré que el joven pintor mexicano falleció ayer en un accidente casero. Un par de veces intenté contactarlo para hacerle una entrevista pero no tuve éxito.
Sea este un modesto homenaje para un artista apasionado de su trabajo y fiel al talento que la naturaleza en su momento le dio.

Nació 1980 en Xalapa, México; Emmanuel Cruz Muñoz estudió pintura en la Facultad de Artes Plásticas de la Universidad Veracruzana. Tomó cursos y talleres sobre grabado, instalación y escenografía con diversos artistas además de participar en exposiciones tanto individuales como colectivas en diferentes ciudades de México y el extranjero. Vivió con Karina Vázquez, su esposa, e hijos, quienes aparecen en algunas de sus obras. (Fuente)







Anexo

El artista plástico xalapeño Emmanuel Cruz, murió la madrugada de este sábado 27 de febrero en su domicilio luego de haber caído de una escalera. Con apenas 35 años de edad y un futuro promisorio, el destacado artista deja en la orfandad a sus dos pequeños hijos y a su esposa. Actualmente realizaba un mural en la Ciudad de México y en la ciudad de Xalapa, había creado, en el 2013, un pequeño mural al acrílico titulado “El túnel del tiempo”. Emmanuel fue clasificado, de acuerdo por los críticos, como un artista hiperrealista que exploró con acierto todas las vertientes de las artes plásticas. “Hombre generoso, con un talento sin fin y comprometido con la preservación del medio ambiente. Activista social y padre amoroso”, es como lo describe y recuerdo el también pintor y curador, Marco Antonio Garcés Venerozo. En el año 2006, resultó finalista de la Primer Bienal de Dibujo Rafael Cauduro en Tijuana, Baja California, en la que participaron artistas de 23 naciones. Un año después, fue seleccionado para la exposición, “Emerging Artists from Mexico and Latin America” presentado por el “International Cultural Exchange” (ICE) en la galería del “New York Academy of Art” de la Ciudad de Nueva York en los Estados Unidos; ese evento tiene el objetivo de promover y dar foro a los nuevos talentos de las artes plásticas de Latinoamérica. En el 2009, representó a Veracruz en la exposición “Homenaje a la Plástica Nacional”, en el Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán auspiciada por la Fundación MACAY. En el año 2013, el joven artista resultó nominado al “Palm Art Award”, en el Art Domain de Leipzig, Alemania. El primer registro de su quehacer creativo, data del 2001, cuando participó en un performance colectivo: “Pasarela VS Moda”, que se montó en el Jardín de las Esculturas, en la ciudad de Xalapa, Veracruz. La versatilidad y calidad de su trabajo, le permitió exponer en México, Estados Unidos y Europa, destacando una estancia, en el 2010, en Odense, Dinamarca bajo la tutela del escultor Jens Galschiot. (Fuente)


Beauty and the Beast

Hay historias que tienen el don de la eternidad. Historias que se transmiten de generación en generación como si fueran un legado primordial. Historias que no sólo entretienen, sino que también cuestionan y enseñan. La clásica leyenda de "La bella y la bestia" es una de ellas.


Obvio, la bestia -que casi siempre es mala y libidinosa- puede tener diferentes aspectos y orígenes. Puede ser un hombre-lobo, un extraterrestre, un hombre prehistórico, un vampiro, un demonio... Y ella, obvio, siempre será joven, linda y seductora. Tanto que el monstruo se convertirá en una simple mascota. ¿Cómo lo logra? Bueno, eso no lo sabemos pero lo podemos sospechar.


El mito de La Bella y la Bestia surgió de un cuento de hadas tradicional francés. Narración de la que hay múltiples variantes, su origen podría ser una historia de Apuleyo, incluida en su libro El asno de oro (también conocido como Las metamorfosis), titulada "Cupido y Psique". La primera versión publicada fue obra de la escritora francesa Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve, en 1740, aunque otras fuentes atribuyen a Gianfrancesco Straparola la recreación de la historia original, en 1550. La versión escrita más conocida fue una revisión muy abreviada de la obra original de Villeneuve, publicada en 1756 por Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. La primera traducción se hizo al inglés, en 1757. Existen muchas variantes de la historia en toda Europa. La versión de Beaumont es la que goza de mayor fama, siendo ésta la base de casi todas las versiones o adaptaciones posteriores.



sábado, 27 de febrero de 2016

El desnudo del día: Dave Seguin

Esto es muy bello. El humo blanco del cigarro, el rostro de la chica enmarcado con su pelo negro, su mirada... la luz lateral de la ventana y su armonía cromática. Todo me gusta. Un ilustrador como lo es Dave Seguin puede hacer una gran pintura cuando se lo proponga, con toda simplicidad...




¿Que opinan los españoles de ARCO?

ARCOmadrid celebra este año su 35 aniversario y para celebrarlo contará no solo con los programas habituales, que aglutinarán un total de 221 galerías de 27 países.

¿Antonio López, la institución del arte realista, expone en ARCOmadrid? ¿Qué pasó? ¿Decidieron llevar a un artista a la catedral del Arte Contemporáneo? Bueno -es cierto- no es la primera vez que está ahí pero nosotros -que admiramos a este artista- recién nos enteramos. Lo entendemos como una actitud de los organizadores casi desesperada para que el público no se vaya desconcertado una vez más o parcialmente indignado, como ha pasado casi siempre.

Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas


Antes quisiera aclarar que es muy difícil encontrar en la prensa española un artículo crítico al circo que año a año montan en Madrid y que nos quieren vender como arte. Todos son notas informativas y complacientes, lo que demuestra que siempre la prensa está prendida al supuesto negocio de invertir en objetos que nosotros -los ignorantes- no entendemos lo que son: un simple negociado de vivos para incautos.
"Este año he vendido obra, por fin. Llevaba dos ediciones yéndome de vacío", reconoce Helga de Alvear. "Creo que hay mucho dinero y algunos consideran que el valor más seguro en este momento es el arte, así que empiezan a invertir de nuevo". Es de las pocas galeristas que informan vivamente de estas realidades. Los coleccionistas extranjeros llegan a ARCO invitados, al menos unos 250. Igual que más de un centenar de instituciones extranjeras. Y no existe garantía de que la visita sea de inversión. La dirección de ARCO tampoco lo aclara, pues el silencio es una política asentada a la hora de hablar de números. Nunca se sabe con certeza si esta feria es o no exitosa (en venta, desde luego), pero si se realiza desde hace 35 años, el negocio tiene que estar en algún lado.
Ya anunciaron que en la edición de 2017 estará la Argentina como invitada especial. Y desde acá -precisamente- les informamos que nuestra diva Marta Minujín ya está preparando sus maletas.

"Desnudo en bañera" de Antonio López.

Hemos recurrido a la voz del pueblo, que en este caso son los lectores que dejan sus comentarios en la prensa online. Esta es una breve selección que iremos de a poco incrementando de los principales diarios y portales de la recontra Madre Patria. ¡Joder!


"No podría decirse con exactitud cuándo ni dónde empieza esa disparatada obsesión nuestra de querer ser modernos por encima de todo y de que nuestras obras sean modernas a costa de todo, pero acaso habría que ir a buscar, a rastrear su inocente chispa primera en el Renacimiento mismo, es decir, en algunos jugueteos, entretenimientos o competiciones renacentistas, aunque, claro, esa idea tan alegremente insensata de una modernidad como valor se manifestase entonces, en todo caso, con una graciosa desenvoltura que ahora ha perdido por completo, hasta el punto de convertirse en algo terriblemente solemne, casi fúnebre, mortuorio, sobre todo en los setenta y tantos años últimos, medio enterrados como estamos en ese oscurantismo cerril, servil, senil, de una mostrenca modernidad sobrepuesta, tiesa, artificiosa, mecánica, maniática, forzada, inmovilizada, establecida y... ¡oficial!". Ramón, Gaya, "Diario de un pintor". (Opinó Godfor Saken, en el diario El País).

"He visto algunas cosas que se exhiben ahí... y desde luego, o estamos locos, o la creatividad ha desaparecido del ambiente... Es como si se hubiera secuestrado la imaginación..." (Opinó Carioco en el diario La Vanguardia)


"¿Esto es arte ? una bicicleta con ladrillos, una bandera hecha con billetes, un par de fotos en blanco y negro ... qué es esto? me parece que en los últimos tiempos, el arte ha dejado de estar en manos de artistas , para estar en manos de personas con el tiempo necesario para hacer algo que llaman arte, pero de artístico no tiene nada. En la antigüedad, los mecenas eran personas con dinero que apoyaban a artistas, pero ahora creo que esos mecenas han decidido calmar su ego, haciendo arte por si mismos. Dando como resultado este vómito de arte sin sentido ni neuronas". (Opina Diwyss en el Diario El Mundo

"Buen nivel, calidad... ¿De verdad habla usted en serio? Eso no es arte, eso es basura, camelo, mal gusto, vulgaridad, tomadura de pelo. Así es artista cualquiera. Un insulto al arte verdadero, con el que pretenden acabar sin conseguirlo" (Opina Juan IV en el diario ABC).

"Salvo contadas excepciones el resto un auténtico bodrio" (Opina Rooquiroga en el diario ABC)

"Si a esto se le llama arte, a lo que hacía Miguel Ángel o Velázquez habrá que llamarlo de otra manera". (Opina Jorge López en el diario ABC)






"En realidad, ARCO es como es porque la profesionalidad en el mundo del arte solo se percibe en un lado: el de los susodichos galeristas y en cierta medida los artistas, aunque en su mayoría estos no vivan de sus ventas. A ellos puede sumársele un contingente de responsables de museos, publicistas, comisarios o críticos". (eldiario.es)


"¿Y hay que pagar pa ver eso? Yo creia que eran los de los stands los que pagaban a los visitantes pa que fueran a ver los engendros que allí se exponen". (Opina La Corte de los Milagros en El Diario)
Ya era hora.........hasta esta edición, y salvo contadas excepciones el resto un auténtico bod

jueves, 25 de febrero de 2016

El desnudo del día: Alberto Pancorbo

Alberto Pancorbo (1956) es un pintor español. De todas sus pinturas, esta me gusta porque es un mensaje simple. El problema de los herederos del surrealismo es que se debaten entre Magritte y Dalí y muchos no han logrado construir un mundo propio en el difícil universo de lo imposible.


El joven Alberto fue muy influenciado por los surrealistas como Dalí y los clásicos maestros Velázquez y Bosco. Él utiliza las técnicas que se basan en la atención cuidadosa a los detalles para la recreación de la realidad con la fantasía de la artesanía medieval. Es una combinación de una variedad de habilidades técnicas y creativas que resultan en un estilo personal de Pancorbo de realismo romántico y fantástico. Su atención rigurosa de la perfección la ha logrado después de años de estudio de la figura, la arquitectura, las naturalezas muertas, la perspectiva, la composición y la naturaleza (Fuente).




"Fui un farsante entre los farsantes de ARCO"

Todas las fotografías son del autor del artículo.


Se hizo pasar por el representante de un rico coleccionista y nos cuenta su experiencia en ARCO, la meca española del arte contemporáneo. "¿De qué manera se consigue dar el salto cualitativo para que una propuesta pase de ser algo que cualquiera tiraría a la basura sin miramientos a cotizar fuerte en el mercado son las grandes preguntas que sobrevuelan la trama?", se pregunta el autor de la nota.





El negocio del arte contemporáneo sigue generando controversia, sorpresa y burla entre los que no tenéis dinero. Cómo se pueden pagan pastizales por piezas (maravillosas, bonicas o mojones, pero piezas) y de qué manera se consigue dar el salto cualitativo para que una propuesta pase de ser algo que cualquiera tiraría a la basura sin miramientos a cotizar fuerte en el mercado son las grandes preguntas que sobrevuelan la trama. Al final éste no es más que otro escenario para que la gente con pasta, con mucha pasta, pueda exhibirla añadiendo ínfulas de buen gusto a su costumbre de pulirse billetes sin miramientos. De qué sirven cuentas con muchos ceros, sociedades interpuestas y viajes a Suiza sin esquíes sino puedes darte un capricho exclusivo de vez en cuando para lucir ante las visitas. Y quien dice uno dice crear tu propia colección, porque una sola obra como que no, resulta ordinario, aburrido y muy forzado.



¿Por qué en las redes sociales circula tanta pintura realista?

Pintura de Federico Godoy Castro, publicada por Carlos Blanco Rodriguez

No existe nada escrito sobre este fenómeno de preferencia artística y menos, estadísticas. Cuando a la pintura realista muchos "entendidos" la habían dado por muerta, surge Internet, blogger, facebook, Youtube y otros medios que permiten a la gran mayoría expresar por dónde pasan sus gustos artísticos.

Por Rubén Reveco. Licenciado en Artes Plásticas

Aclaremos: no todo el que hace realismo hoy en día tiene una preocupación de tipo social o político como sucedía en Europa a mediados del siglo XIX, cuna del arte realista. Pero destaquemos que el amor por el oficio, la factura y la representación de tu entorno está más vigente que nunca. Ya no importa tanto cual es la motivación porque motivaciones hay muchas: La flora y fauna, la injusticia social, la belleza por la belleza, la ciudad, el campo, la historia, la mujer, etc. Hay tanta variedad temática como variedad en el modo de representar.
El realismo prolifera por el mundo. Cada día son más los artistas y cada día encontramos propuestas que se superan unas a otras. 
Empezaremos por facebook. Destacando el contacto de los amigos que han compartido para que millones disfruten.

Pintura de Valery Vetshteyn publicada en Catherine La Rose



Pintura de José Miguel Palacios, publicada por Carlos C. Vial.


Pintura de Alfredo Rodríguez, publicada por China Chiang

Pintura de Guangzhou , publicada en El Hurgador.


Pintura de Elin Danielson-Gambogi (1861-1919), Publicada por Graciela Mora

Pintura de Elizabeth Okie Paxton (1877-1971), publicada por Carlos Concha Vial


Pintura de Gil Elvgren, publicada por José Enki Mauriz


Dibujo original de Serpieri retocado digitalmente y publicado por Miguel A Assali

Pintura de Luca Morelli publicada por Juan Jesus Espina

Obra de Michael John Angel, publicada por Resistencia Realista México.


Pintura de Diego Gravinese, publicada por Diego Gravinese.


Pintura de Jaimes Roy, publicada por Jaimes Roy.

Pintura de Marissa Oosterlee, publicada por Juan Jesus Espina.



Anexo

El realismo fue un movimiento artístico y literario cuyo propósito fundamental consistió en la representación objetiva de la realidad, basándose en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la vida de la época.


Esa exigencia de contemporaneidad, ajena a evocaciones o fantasías de corte romántico, posibilitaron a los artistas realistas un amplio campo de representación, tanto en la temática como en su intencionalidad. Precedido por el Romanticismo y seguido por el Simbolismo y por el Impresionismo, el Realismo no se reveló en Europa con igual intensidad ni tampoco de modo simultáneo. Su apogeo puede situarse entre 1840 y 1880, sin perjuicio de que en algunos países su práctica se prolongara durante el primer cuarto del siglo XX.


Gustave Courbet

El realismo comenzaría, efectivamente, como un movimiento del proletariado artístico. La representación del pueblo sin idealismos, es decir, tal como era objetivamente, encerraba un cierto mensaje sociopolítico. Así lo ratificó Courbet, uno de los padres del Realismo, cuando en 1851 expresara sin ambages que "yo no soy sólo socialista, sino también demócrata y republicano partidario de la Revolución; en una palabra y sobre todo, un realista, es decir, un amigo sincero de la auténtica verdad".
Esa veracidad del realismo fue entonces duramente criticada, acusándole de recrearse en lo feo y en lo vulgar, en lo morboso e, incluso, en lo obsceno. Se quiso ver, ante todo y sobre todo, que la representación de, por ejemplo, campesinos, o sea, de trabajadores vulgares, comportaba una protesta y, en definitiva, un ataque a la sociedad existente.
En ese compromiso con lo social, el Realismo dio paso a temas que hasta entonces se habían ignorado, elevando a la categoría de protagonistas de sus obras a tipos humanos que nunca tuvieron el honor de ser representados. Campesinos, picapedreros, ferroviarios, lavanderas, mineros, etc., fueron fuente de inspiración para los creadores realistas. Unos protagonistas que figuraban tanto en los lienzos como en los relatos literarios y cuyo concurso se revelaba no como un simple complemento pintoresco, sino como figuras centrales.
Bien es cierto que el compromiso social del Realismo no implicaba ninguna proclamación abierta y reivindicadora de mejoras sociales o de cambios políticos. Sin embargo, la decisión de reflejar ese tipo de realidades suponía un contundente testimonio e, incluso, un cierto compromiso.
La contemporaneidad fue uno de los elementos esenciales del realismo. Sus defensores sostenían que el único tema válido para el artista del momento era el mundo coetáneo. El propio Courbet manifestaría que "cada época debe tener sus artistas que la expresen y reproduzcan para el futuro".


No extraña, pues, que el desarrollo del Realismo estuviera vinculado a la serie de avances tecnológicos surgidos en el marco de la entonces incipiente revolución industrial. Recuérdese que, en 1830, se inauguraría el primer tren de viajeros, recorriendo el trayecto Liverpool-Manchester a la velocidad de 22 km/h; que, diez años más tarde, París se convertiría en el nudo de una importante red ferroviaria; que, al mismo tiempo, la invención de la hélice y de los navíos de construcción metálica intensificarían la creación de líneas transatlánticas, y que, entre 1835 y 1855, tendría lugar la aparición y auge progresivo del telégrafo, el teléfono y el sello de correos, así como del periodismo ilustrado.
Paralelamente a estos evidentes signos de progreso científico y tecnológico se produjo una toma de conciencia. A las grandes esperanzas que suscitaron esos avances se opuso la amenaza que su desarrollo creciente se cernía sobre la clase trabajadora. Por otra parte, durante esos mismos años se elaboraba la filosofía positivista, cuyo mentor,Augusto Compte, afrontaba la realidad directamente con las armas de la razón para someterla a sus leyes. También la pintura realista tendría en común con el positivismo su interés por la observación meticulosa. Y, por ende, el realismo estaría particularmente vinculado a la expansión y popularización de la fotografía, cuyo descubrimiento se ha revelado como el más importante dentro de la historia del arte de los últimos cinco siglos.
Fue Joseph Nicephore Niepce (1765-1833) quien logró por vez primera fijar con procedimientos químicos una imagen obtenida a través de una cámara oscura. En 1786 logró la primera fotografía en negativo sobre papel, descubriendo en 1822 los fundamentos del fotograbado. Años más tarde, en 1829, firmaría un contrato con el pintor y negociante Luis Jacques Mandé Daguerre (1791-1851), al objeto de investigar conjuntamente. El fruto de esa colaboración no tardaría en llegar, descubriendo este último un procedimiento simplificado, apto para la explotación comercial, que permitía impresionar placas de metal mediante un baño de yodo y llevar a cabo la fijación con sal de mar y mercurio. François Aragó lograría que el Gobierno francés adquiriera el invento, bautizado como daguerrotipo, y el 19 de agosto de 1839 fue dado a conocer ante las Academias de Ciencias y Bellas Artes, consagrándose así oficialmente el nacimiento público de la fotografía.
Casi simultáneamente a las experiencias de Niepce y de Daguerre se llevan a cabo los trabajos del matemático y filólogo Willian Henry Fox Talbot (1800-1877), quien en 1844 lograría fijar sobre papel pequeñas fotografías, posibilitando así la obtención de copias de una misma imagen.
El descubrimiento de la fotografía, procedimiento capaz de reflejar la realidad de un modo más perfecto del que era capaz el artista, revolucionaría el mundo del arte. Llegó a decirse que "ya que la fotografía nos da todas las garantías deseables de exactitud, el arte es la fotografía". Por contra, Charles Baudelaire denunció "cómo la industria fotográfica era refugio de todos los pintores fracasados, demasiado poco dotados o perezosos en acabar sus estudios y cómo este entusiasmo universal llevaba no solamente el carácter de la ceguera y la imbecilidad, sino también el color de una venganza". El mismo Baudelaire aseguraría en el Salón de 1859 estar convencido de que, "al igual que todos los progresos puramente materiales, los progresos de la fotografía mal aplicados han contribuido mucho al empobrecimiento del genio artístico francés, ya tan escaso".

Vittorio Reggianini

Esta visión de Baudelaire no dejaba de ser un tanto parcial, dado que muchos pintores utilizaban la fotografía como medio auxiliar de trabajo o como fuente de inspiración. Realistas e impresionistas como Courbet, Manet y Degas se valieron de la fotografía para captar las apariencias de la realidad, al tiempo que numerosos fotógrafos se esforzaban para que sus retratos y composiciones se asemejaran lo más posible a lo propiamente pictórico. De ahí la aparatosidad de los retratos de Adolphe-Eugéne Disderi (1819-1900) o de Julia Margaret Cameron (1815-1879), con efectos de vaporosidad, o las complicadas composiciones de carácter moralizante debidas a Oscar Rejlander (1813-1875).
Uno de los motivos esenciales del Realismo era ser de su tiempo. Para expresarlo se abría tanto el camino de plasmar los logros y aspiraciones de la época como el de abordar objetivamente aspectos relacionados con la vida y las costumbres del momento. Fue esta última opción la mayoritariamente elegida por los artistas, que les brindaba una riquísima variedad temática. Se fijaron, pues, en aquellos aspectos que les eran más cercanos y cotidianos: la vida de los trabajadores, el mundo rural y urbano, la mujer moderna, el ferrocarril, la industria, los cafés, teatros y parques de las ciudades, etc.
Hasta la Revolución de 1848, que elevó la dignidad del trabajo y la grandeza del pueblo, los artistas no se sintieron incluidos a tratar la vida de los trabajadores como lo harían después. Al surgir "el héroe trabajador, el arte había de prestarles la atención que antes reservaba exclusivamente a los dioses y a los poderosos", en palabras de Jules Breton. Un trabajador mitificado, que no se identificaba exclusivamente con el obrero del industrialismo urbano, sino que también incluía al campesino, cuya pertenencia al todavía mayoritario sector de la población activa no impedía que su vida, sus hábitos y sus costumbres fueran contempladas y valoradas como una realidad social que declinaba. El arte realista dio, en efecto, una imagen positiva y, en cierto modo, enaltecedora de la vida rural, que se vio plasmada tanto a través de las concretas labores del campo como en las actitudes de sus protagonistas, abarcando desde el sentimentalismo hasta la realidad más objetiva.


Ernesto de la Cárcova.

Los temas tratados por los autores realistas no sólo conformaban un compendio veraz de la vida cotidiana del trabajador, revelando las injusticias sociales que se daban, sino que también expresaban el heroísmo de sus protagonistas. Esta categoría de héroe fue adjudicada progresivamente a otros sectores de la población que irrumpían en la vida moderna y que suscitarían en Proudhon la petición de "que se pintase a los hombres en la sinceridad de su naturaleza y hábitos, en su trabajo, en el desempeño de sus deberes cívicos y domésticos, con su apariencia actual".
La gama de esa suerte de héroes modernos resultó muy amplia y variada, ya que incluía a todos aquellos individuos que de una forma u otra encarnaban los principales valores de su tiempo y su cultura. Así, por ejemplo, se vio enaltecido el bombero, héroe urbano en su papel de salvador; el político y el filósofo, en su condición de mentores de la sociedad; el artista, el escritor y el científico, por sus aportaciones desde la intimidad de sus estudios o despachos; el médico, en razón de su inestimable servicio a la humanidad, etc.
El realismo tocó también temas relacionados con la vida familiar y la intimidad, debido al empuje de los valores domésticos de la clase media experimentado a mediados del siglo XIX, y que incluso alcanzó a reyes y poderosos al ser representados también en actitudes cotidianas y hogareñas. De otro lado, el realismo no obvió la búsqueda del antihéroe de la época, siendo uno de los más representados la figura de la amante o de la prostituta, personajes que también eran utilizados en la literatura realista.
La desacralización de la sociedad tampoco pasó inadvertida para el realismo. De aquí que temas tradicionales como la muerte fueran tratados en muy diversos aspectos -entierros, suicidios, asesinatos, etc.-, pero nunca con el dramatismo de antaño y siempre como un hecho visualizado, es decir, como una realidad más. Asimismo, las cuestiones religiosas fueron representadas sin otra pretensión que la de plasmar costumbres o manifestaciones populares por su interés sociológico o humanitario.
Pero el realismo no se circunscribió al ámbito estrictamente rural o urbano o al exclusivamente social o heroico. También trataría temas al aire libre, es decir, reuniones y meriendas campestres, escenas de playa y de hipódromo, etc., unas realidades vistas para la época de un modo absolutamente innovador.
Por otra parte, la llegada de la revolución industrial y el desarrollo de los complejos urbanos dotarían de nuevas imágenes a la ciudad moderna, imágenes que la pintura realista no desaprovecharía, incorporándolas a su temática. Es el caso, por ejemplo, del ferrocarril y sus infraestructuras, ampliamente reflejadas a través de vagones, de andenes y estaciones, del hacinamiento y ajetreo de la gente, etc.
A los ojos de muchos artistas y bien avanzado el siglo, la ciudad ya no era vista como un mal social, sino como un caudal inagotable de motivos pictóricos, por lo que centrarían su interés en la representación de tipos humanos, costumbres, fiestas y espectáculos propios de ese nuevo medio urbano, y ya desprovistos de compromiso social o político alguno. Es entonces cuando el realismo introduce de modo fehaciente sensaciones de vitalidad, inmediatez, instantaneidad y nuevos encuadres, aproximándose así a la fotografía, características que serían especialmente desarrolladas por los futuros impresionistas.
El realismo fue un arte que podría calificarse como sin estilo; pero un arte ampliamente cultivado. No impregnó solamente los pinceles franceses de la Escuela de Barbizon, Courbet, Manet y el grupo de Batignolles, sino que se extendió a Inglaterra y ocupó a determinados prerrafaelitas. También hubo realismo en Alemania, Italia, España e, incluso, en Rusia.


miércoles, 24 de febrero de 2016

El desnudo del día: Frans Mensink

Frans Mensink es uno de los ilustradores que más me gusta. En los cuerpos femeninos que pinta nunca vamos a encontrar grandes contrastes entre luz y sombra. En cada obra interpreta perfectamente la armonía cromática que requiere el momento a representar. Estos momentos siempre están protagonizados por muchachas hermosas, sexys y generosas en sus atributos.

martes, 23 de febrero de 2016

El desnudo del día: Alexandre Monntoya

El pintor colombiano -radicado en España- Alexandre Monntoya es un conocido de la casa.
Este es un lindo desnudo a pesar del contraste tan marcado de luces y sombras en el cuerpo de la modelo. La luminosidad del exterior y del interior de la habitación no lo justifica.

lunes, 22 de febrero de 2016

El desnudo del día: Alexander Voronkov

Me costó descubrir a la serpiente con una fruta en sus fauces, parece ser un higo. Eso me gustó porque en ningún momento La Biblia dice que la fruta prohibida fuese una manzana. Lo que no entiendo es porqué Eva se ve tan pudorosa, considerando que aun no ha "pecado".

Alexander Voronkov (1961) es un pintor ruso que gusta de estos temas mitológicos, matizado con mucha vegetación. Son lindas pinturas.



domingo, 21 de febrero de 2016

El desnudo del día: Alexander Sheversky

Hay excepciones es la obra de ciertos artistas y -muchas veces- son esas excepciones las que nos gustan. Como podrás ver en este enlace, la temática de Sheversky nos recuerda a Edgar Degas; casi rococó por el color, el uso excesivo de las cortinas y paños que parecen tan importantes como las bailarinas.

Y de improviso aparece este desnudo: No sólo nos fascina mirar lo bello, sino que lo bello también se fascina ante su propia belleza. El tema de la mujer (preferentemente) ante el espejo en algo recurrente en la historia del arte.


sábado, 20 de febrero de 2016

El desnudo del día: Christiane Vleugels

Christiane Vleugels es una artista belga. Sus impresionantes y delicados trabajos nos muestran historias sutiles y sensuales. Esta "Eva" es una de las más originales que he visto. Bien por la primera mujer.

"Eva total"



hiperrealismo
La artista.

viernes, 19 de febrero de 2016

Radoslav Penchev: La imaginación es caprichosa y no tiene límites



"Mi cámara, la imaginación y Photoshop son las herramientas con las que trabajo", dice Rodoslav Penchev, artista, diseñador gráfico y fotógrafo.


Cada día conocemos uno nuevo. Muchos vienen desde Europa oriental. Lo cierto que el acceso a las tecnologías ha despertado el instinto creativo de muchos. Mientras haya talento todos son bienvenidos y mientras el arte exista no podemos darnos el lujo de hablar de límites.



-La imaginación, es el caso, es un tipo de actividad intelectual que está orientado a crear representaciones mentales que no han sido previamente percibidas (por eso es creación), pero mediante la combinación de otras percepciones (por eso no es creación desde la "nada", sino transformación). Combinando percepciones de algo que ya existe creamos percepciones de algo que no existe. Combinando, por ejemplo, las percepciones de los cuerpos de un ser humano que incluyen un caballo, que sí existen, se crea la percepción de un centauro, que no existe.



-La imaginación es la capacidad de crear una idea, una imagen mental o una sensación de algo (Shakti Gawain)