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sábado, 28 de febrero de 2015

Jean Léon Gérôme: La academia en su estado más puro.

"La pelea de gallos" (1846), llamada también "Jóvenes griegos poniendo unos gallos a la pelea", es un ejercicio académico que representa a un joven desnudo y una joven semicubierta con dos gallos de pelea. En el fondo, la bahía de Nápoles. Presentó esta pintura al Salón de 1847, donde ganó una medalla. 



En coincidencia con el hartazgo que existe del arte contemporáneo (no belleza, no talento, no mensaje), se comienza a redescubrir a los antiguos artistas eclipsados durante en siglo XX.
Jean-Léon Gérôme -uno de ellos- fue un pintor y escultor francés academicista cuyas obras son, por lo general, de tema histórico, mitológico, orientalismo y retratos. Es considerado uno de los pintores más importantes de este período académico, y además de ser pintor y escultor, fue también un maestro con una larga lista de estudiantes.


Jean León Gérone nació en Vesoul, Alto Saona, Francia. Se fue a París en 1841 para estudiar en la Académie Julian donde trabajó para Paul Delaroche a quien acompañó a su viaje por Italia (1844-1845). A su regreso a Francia exhibió su obra "Pelea de gallos" con la que ganó una medalla en 1847. Fue su primer premio. En los años venideros su popularidad y prestigio fueron agrandándose, consiguiendo un gran reconocimiento por sus obras.


viernes, 27 de febrero de 2015

Kird Richards: flores para la eternidad




Kirk Richards comenzó su carrera como pintor profesional en 1980, después de estudiar cuatro años. Habiendo recibido su licenciatura en Bellas Artes y su maestría en artes de la Universidad del Estado de West Texas, siempre buscó la instrucción tradicional de los viejos maestros, métodos que no estaba disponible a través de la universidad.

Entonces Kirk Richards abrió su propio tallerEste operó desde 1982 hasta 1988 en Amarillo, Texas. En el otoño de 1988, recibió el encargo de pintar un proyecto mural de tres paneles grandes para la Primera Iglesia Bautista, de Amarillo. A partir de ese momento, Kirk se ha concentrado en una carrera de la pintura a tiempo completo.
Ha logrado mucho éxito en retratos, bodegones y pinturas de tema religioso, simbólico o alegórico. Como resultado, su trabajo ha sido incluido en numerosas exposiciones de prestigio, publicaciones y catálogos. Ha participado en muchas exposiciones itinerantes junto a la Cofradía de la Sociedad Americana del Realismo Clásico.
Kirk vive en Amarillo con su esposa Linda.







El artista.

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viernes, 20 de febrero de 2015

Las pinturas, acuarelas y dibujos de Derek Jones

 


Recuerdo mi primera experiencia en la Internet y cómo descubrí los dibujos de  Derek Jones. En esos años había que acceder a través de un ciber y husmear las maravillas que ofrecía este nuevo ingenio de la mente humana en un espacio semi público. Entonces llevabas un disquet y grababas con cierto pudor a las miradas indiscretas todos los desnudos (artísticos) para después disfrutar en la tranquilidad de tu hogar. Sin embargo, nunca había publicado los trabajos de este artista en este blog ni en el de Resistencia Realista. Es una deuda que desde hoy comienzo a saldar.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas


Fue así como armé una gran colección de pintura realista contemporánea, pero además los dibujos de Derek Jones siempre los tenía  pegados de modo especial en alguna pared de mi redacción. Han pasado varios años y me reencuentro nuevamente con este excelente artista. No sólo estaban en su web los dibujos que tanto he admirado por su trazo nervioso y rápido, si no que descubrí acuarelas y pinturas que en esta oportunidad les presento. Pasen y miren.



jueves, 19 de febrero de 2015

Los maravillosos tipis de Tom Gilleon

El trabajo de Gilleon es codiciada por los coleccionistas, encontrando cada vez más hogares en importantes museos y subastas.


En la visión contemporánea del arte de Tom Gilleon se mezcla perfectamente lo representativo y lo abstracto. La mayoría de sus composiciones son simplemente una serie de triángulos vibrantes, cuadrados, círculos y rectángulos. El tema nativo americano ofrece una narrativa accesible para todos.


El arte de R. Tom Gilleon es difícil de encasillar. Sus interpretaciones del oeste americano son genuinos y únicos. Sus representaciones de tipis nativos son arquetípicos y primitivo en sus formas básicas sin embargo, son muy contemporáneo en composición con una rociada de símbolos personales y humor.
Gilleon nació en 1942 y creció en Florida por sus abuelos en el pequeño puesto de avanzada de Starke, cerca de Jacksonville y los bancos pisos del río Suwannee. Su abuelo había emigrado a los Estados Unidos desde Escocia y se convirtió en un ebanista de renombre. Su abuela era una Cherokee de pura sangre.

Una tienda cónica

Un tipi (también tepee y teepee) es una tienda cónica, originalmente hecha de pieles de animales como el bisonte, y palos de madera. El tipi era utilizado por los pueblos indígenas nómadas de Estados Unidos de las grandes llanuras pero también han sido construidos y habitados en otras partes geográficas, como es el caso de la gente Timucua en la Florida. El tipi es durable, y durante el invierno brinda abrigo y confort, es fresco durante el verano y su interior permanece seco en caso de lluvias. Podían ser desarmados y embalados con rapidez cuando la tribu lo determinara y se los podía volver a armar rápidamente en la nueva área seleccionada. Esta transportabilidad era importante en las grandes planicies a causa de su estilo nómade de vida.
Es bastante resistente y proporciona comodidad a sus habitantes: es cálida en los duros inviernos de la región, en temporada de lluvias se mantiene seca y es fresca en el cálido verano. 


martes, 17 de febrero de 2015

¡Bien podría ser una obra de arte!

A pesar de su espectacular transformación, la Barbie humana ha generado mucha controversia e incluso hace poco fue golpeada por dos hombres cuando entraba a su casa. 


A ningún amante del arte contemporáneo se le ocurrió. Valeria Lukyanova, la ucraniana que se hizo famosa por su similitud a la famosa muñeca Barbie asegura provenir de Venus y ser una guía espiritual. Acción de arte, performance, pop art, lant art, body art, body painting todas las manifestaciones del arte contemporáneo parecen estar de manifiesto en esta joven que a pesar de no saber de arte moderno, se ha convertido en una obra de arte.
Bien se merece esta publicación.


No es fácil ser una muñeca


Valeria Lukyanova es la llamada "Barbie humana" y asegura venir de otro planeta. "Siempre sentí que mi casa no estaba acá y gracias a la meditación yo recordé cómo me veía, cómo era mi familia (...) Medía tres metros, mi piel era azul (…) no hablamos, telepáticamente intercambiamos nuestros sentimientos. Viajamos por todo el Universo", dijo la joven.
Lukyanova contó que la única cirugía estética que se ha realizado ha sido un aumento mamario; su nariz es natural, pero se la achica con maquillaje. También usa lentes de contacto.
Dijo que no le gusta que la llamen "Barbie humana", "porque ahora tomó matices no muy buenos", tras la golpiza que recibió recientemente.
"Soy una mujer que le gusta pintarse y vestirse bien". En ese sentido, sostuvo que "no soy linda, soy muy linda, pero no sé si la gente me envidia. Cada mujer tiene que sentirse la mejor", comentó.
Valeria Lukyanova fue atacada por dos hombres a la entrada de su casa en Ucrania en la noche del 31 de octubre de 2014. Los agresores golpearon a la modelo e intentaron estrangularla hasta que una vecina, que se percató de la situación, salió a ayudarla y los atacantes huyeron del lugar.
La ucraniana sostuvo que desde ya hace dos años es víctima de una campaña en su contra, según explica el diario británico Daily Mail. Lukyanova explico que en ese periodo, recibió toda clase de amenazas por parte de desconocidos.
“Me pegaron en la cabeza, muchas veces en la mandíbula y entonces uno de ellos empezó a estrangularme", detalló. Tras el ataque, la modelo tuvo que ser hospitalizada. 

sábado, 14 de febrero de 2015

Rob Gonsalves: Realismo mágico



Rob Gonsalves es un pintor canadiense de realismo mágico. Nació en Toronto, Canadá en 1959. Influenciado por Dalí, pretende aunar en una sola imagen la realidad y la imaginación.


Rob Gonsalves (nacido en 1959 en Toronto, Canadá) es un pintor canadiense de realismo mágico con una perspectiva única y estilo. Realiza trabajos originales, grabados de edición limitada e ilustraciones para sus libros. 


Durante su infancia, desarrollado un interés por el dibujo de la imaginación utilizando diversos medios de comunicación. A la edad de doce años, su conocimiento de la arquitectura creció a medida que aprende las técnicas de perspectiva y comenzó a crear sus primeras pinturas y representaciones de edificios imaginarios.

viernes, 13 de febrero de 2015

Pinturas y modelos en el cuarto de baño

Jeune femme a sa toillete, de Eugene Lomont.

El Museo Marmottan Monet inaugura la exposición La Toilette and the Invention of Privacy con 100 obras de desnudos de los pintores más importantes desde el siglo XV y hasta hoy.


FUENTE: Diario El Mundo

Los desnudos a lo largo de la historia del arte han sido un tema recurrente. Desde el carácter social y público, casi lúdico, de los primeros años pasando por la privacidad inventada hacia 1.800 hasta llegar al poso publicitario actual. "Considero que un desnudo está terminado cuando me parece que puedo pellizcarlo", decía el pintor impresionista Auguste Renoir. Sobre el desnudo, el cuarto de baño como lugar público-privado y su evolución, el Museo Marmottan Monet inaugura la exposición La Toilette and the Invention of Privacy. Se trata de la primera muestra que aborda este tema con obras de los pintores más importantes desde el siglo XV y hasta hoy.

jueves, 12 de febrero de 2015

Esto lo podría hacer un niño



Cuántas veces habrán tenido que soportar los artistas por lo bajo: "Esto lo podría hacer un niño" o "Mi sobrino de dos años pinta mejor". Este no es un espacio que reivindique el arte abstracto, pero encontré un artículo que tiene la pretensión de defender esta importante manifestación del siglo XX y explicar el desdén de un gran porcentaje de espectadores por la abstracción en la pintura o por el llamado "arte contemporáneo". 
¿Por qué en pleno siglo XXI sigue sumando tanto rechazo y qué podemos hacer para que se comprenda y se tolere. "Que se defiendan ellos" expresarán ustedes. Bueno, no es para tanto,  encontré este artículo que reproduzco... Está simple pero bueno.

Entre las paredes de un museo de arte contemporáneo, de cualquier ciudad del mundo, los murmullos qué más podemos escuchar son “Esto lo podría hacer un niño”, “¿Ésta chorrada es arte?” Incluso antes de estudiar la carrera para mí era una estética incomprensible, rara y patética.
Le di una oportunidad y después lo comprendí todo, sobra decir que el entusiasmo que le pusieron mis profesores lo hicieron mucho más fácil. Aún hoy en día hay muchas cosas que se me escapan, pero la pequeña base que poseo consigue hacerme disfrutar o por lo menos entretenerme en la búsqueda de su significado. Por supuesto con esto no digo que todo lo que esté expuesto en un museo sea arte, porque muchos artistas y críticos se benefician de ello y de verdad que a veces podemos ver auténticas tonterías.
Cuando nos exponemos ante una obra de estas características debemos de hacernos varias preguntas ¿Quién lo pintó?, ¿Cuál es su contexto? Con esto podemos adentrarnos un poquito más en la obra, en la psicología del artista, en su sociedad y descubriremos el porqué lo ha hecho así.  Y lo más importante y lo que más nos vamos a encontrar… todos los artistas se rebelan contra los anteriores.


Al fauvismo se la considera la primera vanguardia, por lo tanto el primer arte incomprendido. Surge en Francia entre los años 1905 a 1907. París se va a convertir en la ciudad del arte y la cultura general de Europa. Los artistas exponían en los salones oficiales, pero algunos artistas empezaron a sentirse incómodos con el jurado de gustos muy ligados al espíritu de la Academia. Por lo tanto surge un primer rechazo. La belleza realista e idílica se transforma en manchas de colores primarios extendidos desde el tubo y apenas mezclados como vemos en esta pintura de Matisse. El color no está asociado a la forma sino al sentimiento, a lo subjetivo. Todo está calculado meticulosamente, no se juega al azar con la paleta los colores confluyen armoniosamente.



Continuamos con el cubismo, aquí el dibujo hace la forma, no el color a diferencia de los anteriores. Seguimos en el metropolitano París, a la par con el fauvismo. La figura geométrica constituye la esencia del dibujo, reduciendo el color a ocres, grises, verdes y algún rojo. Miles de puntos de vista hacen nos ofrece la posibilidad de ver un objeto desde todas sus partes en tiempo real. Picasso dijo:Yo no pinto los objetos como los veo sino como los pienso.
Esta frase nos muestra a un artista que pasó por un aprendizaje académico pero dejó atrás lo superfluo para llegar a la esencia y encontró un estilo propio.
Años más tarde, en las vanguardias rusas, el suprematismo cobra fuerza con la figura de Malevich y sobre todo el más conocido cuadrado negro sobre fondo blanco. Se trata de la búsqueda de la creación pictórica pura a base del empleo de formas geométricas que es la máxima expresión con los mínimos recursos, todo el mundo y su ideal está concentrado ahí. Emplea un lenguaje no objetivo, no vemos figuraciones ni paisajes. Un arte abstracto muy diferente al de Kandinsky que se trata de una abstracción lírica. Es pura porque está vacía de contenido, de simbolismo, de representación de emociones. Se dijo que
“El arte no debe de estar al servicio de la religión ni del estado, no quiere seguir ilustrando la historia de las costumbres, no quiere saber del objeto como tal…”
La calidad pictórica puede ser nefasta pero la cantidad de no-significado es lo que de verdad impresiona, en una época de vacío existencial cuando la revolución soviética está en las calles. El blanco es la nada, la idea de  infinito que conlleva al vacío mientras que el negro es el “falso” icono.
Creo que estos ejemplos no los podría haber hecho un niño, pero también pienso que esta expresión no es algo negativo, ya que los niños tienen una mirada muy honesta hacia la belleza que les rodea. Y estos artistas son niños en cuerpos de adultos, además Picasso siempre dijo que le gustaría volver a pintar como lo hacía de niño. (FUENTE


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martes, 10 de febrero de 2015

Avigdor Arikha: De la abstracción al realismo


Empezar y acabar en un día. Sin duda su pintura tiene misterio, el misterio que sólo logran los grandes maestros, el que logra sin artificios transformar lo real en algo casi irreal.

Samuel Beckett definió la obra del pintor israelí Avigdor Arikha (Bukovina, Rumania, 1929 - 2010) como una heroicidad en soledad. Y es cierto que su vida y su obra se han asomado muchas veces al filo. En tres ocasiones bordeó la muerte, según confesó alguna vez este singular artista que desde muy joven estuvo bien considerado por la crítica y los coleccionistas. Dos se debieron a motivos de salud. La otra, la verdadermente importante, no tuvo nada de físico. Sucedió en la mañana del 10 de marzo de 1965. Arikha se levantó aquel día con la profunda sensación que había muerto como pintor abstracto, que a partir de ese momento sólo valía la pena pintar del natural. Ni de memoria ni a partir de fotografías. Sólo lo que tuviera delante y mientras estuviera ante sus ojos. Durante una hora o un día. Empezar y acabar.
Tomada la decisión, centró su actividad en el dibujo, la forma más esencial de acercarse al arte. En 1973, volvió plenamente a la pintura: desnudos, retratos, bodegones, jardines. De la intimidad doméstica y personal se salta al ámbito de sus relaciones sociales.







El artista.

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domingo, 8 de febrero de 2015

Daron Mastropiero: Instantáneas en birome


Dibujante en birome, esa es su especialidad. El joven Daron Mastropiero repasa su trabajo, opina sobre la ‘esencia artística’ y arremete contra críticos de arte y curadores.


Por Camila Reveco - Diario Los Andes, Mendoza 
camilareveco.mza@gmail.com

Daron Mastropiero (Merlo, Buenos Aires, 1992) se destaca en el campo del dibujo porque la birome es el único elemento con el que trabaja para representar momentos de la vida cotidiana con un nivel de detalle casi obsesivo. La tinta azul es la elegida para sus retratos.
Mastropiero -nombre artístico en honor a Les Luthiers- domina la técnica. Se destaca además por la composición y equilibrio de las formas. Sus dibujos son el resultado de horas y horas de trabajo.
-Siendo la birome el instrumento más popular usado para la escritura, ¿por qué la elegiste para dibujar?
-La birome también es el elemento que todos usamos alguna vez para hacer garabatos al costado de una hoja en horas de clase o de aburrimiento... A los 11 comencé a dibujar y surgió esto, que es el resultado de una búsqueda plástica.
Estoy contento porque mi trabajo me conecta a mi infancia y al mismo tiempo “dibujar con birome” significa estar fuera de los parámetros establecidos formalmente como elementos artísticos “tradicionales”. Usar birome es una sutil broma, es ironía y burla. Por eso llamo a lo mío “lerolerismo” -del “lero-lero”-.

sábado, 7 de febrero de 2015

Ciruelo: de dragones y de tinta



Esta semana, en nuestra sección “Elige tu propia obra”, te presentamos en exclusiva una entrevista con Gustavo Cabral, más conocido como Ciruelo. Exponente clave del arte fantástico y mundialmente reconocido por sus dragones. Nos habla de sus comienzos en el mundo de la ilustración y los temas que reivindica en su obra, entre otras cosas.


Por Camila Reveco
Diario Los Andes, Mendoza

El mundo de dragones, hadas, ángeles, mujeres guerreras y castillos es el mundo del pintor y dibujante Ciruelo, el talentoso artista nacido en Buenos Aires y radicado en Barcelona desde 1987.
Ciruelo demuestra en cada obra su despliegue técnico y virtuosismo, producto de un trabajo meticuloso y obstinado. “Mi inspiración viene de mi pasión por las culturas ancestrales, por la cosmovisión que tenían y por la cercanía con la naturaleza y con el universo”, confiesa. 
La pintura que eligió para ilustrar esta nota es la que realizó para la edición por los diez años del bestseller “Eragon”, del escritor estadounidense Christopher Paolini, que tiene a su hijo Ángelo como protagonista.


jueves, 5 de febrero de 2015

Miguel Ángel Avataneo: belleza y melancolía




Miguel Ángel Avataneo es un pintor argentino nacido en 1962 en San Cristóbal, provincia de Santa Fé (Argentina) que practica un estilo apegado al clasicismo, influenciado por la pintura francesa de finales del siglo XVIII (David, Courbet, Ingres) y alimentado por su interés en los maestros italianos (Correggio, Rafael, Tiziano).
Obtuvo su licenciatura en 1988 en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba y ha expuesto regularmente desde ese mismo año con mucho éxito, obteniendo un buen número de reconocimientos.
Actualmente está representado en Estados Unidos por Bryant Gallery de New Orleans y en Buenos Aires por el Centro Cultural Goya.
Se puede recorrer su trabajo en varios sitios, por ejemplo en su propio blog. También hay otro de su taller de pintura, en el que no hay mucha información.

FUENTE: "El Hurgador"













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miércoles, 4 de febrero de 2015

La ilustración digital de Warter Petretto



Este es un ilustrador italiano que brilla por su ausencia. Casi nada he encontrado en la web sobre su formación como artista y trayectoria profesional, la cual parece ser de mucho prestigio por la cantidad de imágenes que circulan...
Excelente trabajo de un ilustrador digital muy requerido por sus hermosas representaciones de heroínas, un tema que parece ser inagotable en el mundo del cómic y video juegos.