Redes

martes, 30 de septiembre de 2014

Monica Bellucci: bien se merece una obra de arte



Como no podía ser de otra manera, los artistas realistas se inspiran en la belleza que hay en este mundo. Hoy que la diva cumple 50 años, hurgamos en Internet buscando un regalo encantador que esté de acuerdo al encanto que por años nos ha generado. No olvidamos esa escena en "Malena", la película que te hizo famosa.

¡Feliz cumpleaños!



Los 50 años de la diva italiana

La actriz celebra su cumpleaños con una extensa y exitosa carrera en la pantalla grande: desde pequeños roles como en 'Drácula, de Bram Stoker', hasta la actualidad, grabando junto a Emir Kusturika. 
La fama llegó a muy temprana edad para la italiana Monica Bellucci (50). Nacida en la localidad de Città di Castello, indicó Vanity Fair Italia, aprovechó sus intensos rasgos y su 1,73 metros de estatura para comenzar una carrera como modelo cuando solo era una adolescente. Dividió su tiempo entre las pasarelas y una prometedora carrera de abogada, aunque a fines de los 80 se trasladó a Milán, centro neurálgico de la moda italiana.

Siempre es verano para Elias Chatzoudis



Elías Chatzoudis nació en diciembre de 1982, en Atenas, Grecia. En 2000, estudió diseño gráfico y web en una institución educativa privada. Fue allí donde conoció los programas de diseño de procesamiento de imágenes. Ha colaborado con algunas revistas griegas, europeas y norteamericanas

Sus bellas jóvenes son la nueva expresión del legendario Pin Ups. Siempre sexis, siempre hermosas y siempre acaloradas






Lecturas de la infancia

 

Esperar ansioso el día en que apareciera la revista. Correr al kiosco a comprarla. Regresar a casa triste porque no había llegado el camión que la distribuía. Volver dos horas más tarde.


 Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

Verla de lejos exhibida entre muchas otras por reconocer su portada y diseño. Tenerla entre las manos y sentir el olor a papel nuevo. Volver a casa emocionado, ojeándola página por página. Descubrir cómo seguían las historietas y relatos que durante una semana habían quedado en suspenso. Encontrarse con un nuevo capítulo de tu héroe y detenerse a mitad de cuadra para leer cómo se las había arreglaba para zafar de los tantos problemas que tenían los hombres y las mujeres en la Prehistoria, por ejemplo.
Eso, y más, significaron para muchos la lectura de revistas infantiles. Los tiempos han cambiado y no quiero decir que para bien o para mal. Pero el privilegio de sentir que tu corazón latía con más fuerza cuando te reencontrabas con tu amada revista coleccionable sigue siendo entre lo mejorcito de mi inocente infancia de niño pueblerino y fantasía intergaláctica.

lunes, 29 de septiembre de 2014

Abraza y déjate abrazar



Puede significar amor, pasión, contención, cariño. La ciencia confirma lo que todos sentimos: hace bien. Te contamos por qué.

FUENTE

El misterio del abrazo: ¿experiencia erótica o química del amor?

Los hay entre hombre y mujer; entre padre e hijo; entre amigos. Puede significar amor, pasión, contención, simplemente cariño, o compasión. Lo cierto es que el abrazo es necesario, nos hace bien. Y las preguntas surgen, inevitables: ¿es una simple trasmisión de emociones, en la que el contacto físico se impone, o es un complejo proceso químico que nos despierta diferentes sensaciones?  ¿Qué rol ocupa el otro? ¿Cómo percibimos, nosotros, su significado?
“El abrazo es una conducta fraternal, de ternura o de amor, que activa la función del apego, además de inhibir la ansiedad social que produce la existencia de otro. El contacto de los cuerpos incrementa sentimientos agradables de cariño, pasión, alegría, altruismo o incita el deseo sexual”, explica el doctor Walter Ghedin, médico psiquiatra, psicoterauta y sexólogo.


sábado, 27 de septiembre de 2014

Art Nouveau, de ayer y hoy



120 años después de su irrupción en Europa, el Art Nouveau ha tomado un nuevo impulso en las artes plásticas. Cautivados por la original estética, nuevos artistas han retomado y recreado en diferentes soportes esa cándida inocencia de la primera juventud. Es el estilo que ha tenido casi de modo exclusivo a la mujer como centro de su temática. He aquí algunos ejemplo.



jueves, 25 de septiembre de 2014

El perverso encanto de drGraevling



  Dr.Graevling es uno de mis últimos hallazgos. Sus dibujos se disfrutan entre lo erótico y lo pervertido.
Poco y nada sabemos del creador de estas imágenes, pero contribuye como ninguno a la idea que los duendes de los bosques son seres muy parecidos a nosotros.

ENLACE



martes, 23 de septiembre de 2014

¡Se comió una obra de arte!



 Hace poco condenaron al deshonor a una empleada de un museo por limpiar una mancha que era parte de una instalación, ahora una mujer se ve en aprietos por comerse dos bananas que eran parte de otro extraordinario exponente del ya vetusto arte contemporáneo, en la Feria de Art Basel, en Miami.
La crónica -“Banana Affaire, Art Basel 2011 Miami”- fue escrita por la crítica de arte Avelina Lesper -que reproducimos en parte- junto a los comentarios de los lectores de su blog. 


La obra de Paulo Nazareth, Banana Market, Art Market. Con la fruta tirada y madura.


Y no era arte culinario

La Feria Art Basel se deviene en espectáculo público y fiestas privadas. Esta última edición denunció que la creatividad está en franca decadencia entre los artistas que se venden como modernos y transgresores.
Art Positions es uno de los espacios de la feria dedicado a shows pequeños de un solo artista, ahí el brasileño Paulo Nazareth montó una camioneta Volskwagen destartalada y llena hasta el tope de racimos de bananas, la obra se llamaba Banana Market, Art Market. El primer día las bananas estaban medias verdes, con el paso del tiempo estas se fueron madurando, ya para el último día el olor de la fruta inundaba el área de estas galerías. Montones de kilos desparramados por el piso. Entonces, tentada por el aroma y por la abundancia de algo que tiraron a la basura una vez clausurada la feria, una visitante se acercó y se comió dos bananas y dejo las cáscaras en la defensa de la combi.


lunes, 22 de septiembre de 2014

Mauro Cano: El pintor de los placeres



Admirado por el público, buscado por coleccionistas, Cano es uno de los pintores jóvenes más renombrados del país. 

Por Camila Reveco

Nació en 1978 y pinta "desde siempre" o desde que tiene memoria, como el mismo aclara. Además de dar clases de dibujo en su atelier de Godoy Cruz, actualmente está preparando una exposición para junio con sus trabajos más recientes. Se trata de cinco pinturas de diferentes formatos y que significa "un nuevo trayecto", según explica. "Siento que no sólo mis manos sino también mi cabeza, han cambiado, así que hacia allá voy". Mauro Cano eligió una pintura suya para ilustrar esta entrevista con Cultura. Se trata de "Placeres II", del 2013. Forma parte de una serie que remite a situaciones sencillas con las que palpamos una libertad ingenua y lúdica. La libertad que supone comerse una sandía y mancharse entero, sin miedo al reproche ni al castigo. 
Además seleccionó una obra clásica que siempre le ha causado admiración, para compartir con los lectores parte de su universo como eterno visionario y amante de la pintura. ¿Qué obra de arte ama un pintor? El se quedó con "Las Meninas" de Diego Velázquez. "Era una adelantado a su época", dice del artista español. Los detalles de esta pintura del 1656 permiten descubrir vestigios impresionistas 200 años antes que surgiera el movimiento. Pintar lo que vemos es un homenaje a la vida misma. Ser un pintor realista es algo mágico, como mágica fue la experiencia de aquellos primeros pintores rupestres en las cuevas de Altamira, hace 25 mil años. Es así como la obra de estos artistas se ha reinventado de mil formas pero siempre con un solo horizonte: el ser humano y su entorno. También la obra de Mauro Cano es testimonio de la realidad. Es parte de una nueva generación de artistas realistas que está enfrentada -sin proponérselo- a la pintura abstracta, la que ha reinado durante los últimos cien años. El tiempo dirá hasta dónde llegarán con esta nueva aventura estilística. Lo cierto es que ellos van al encuentro de un espectador que por muchos años se había alejado de la pintura. Es el arte de lo real y posible, pero también es el encuentro con la magia de lo imposible. 




-¿Por qué pintura realista? 
 -Ante todo me considero pintor, aunque claro, mi obra siempre ha ido por un camino realista. Pero también he dejado rincones para la experimentación y otras búsquedas que me resultan alternativas. 
-En este contexto de posmodernidad y de múltiples tendencias ¿Cualquiera puede ser artista? 
-Creo que todos pueden tener el impulso o la necesidad no sólo de pintar, sino de agarrar una guitarra, un martillo, o lo que sea y que surja esa motivación vital de generar un "acto creativo". Me parece que todo lo que sea innato y espontáneo es siempre positivo. Eso habla de la pasión y de la pasión sincera que hay en toda persona que quiera expresarse. La palabra "artista" es tan grande y compleja, partiendo de la convicción de que el arte en primer lugar, es infinito. Probablemente nunca, nadie en el mundo sea un completo artista. Yo prefiero considerarme dibujante y pintor, antes que artista. 
-En el mundo del arte contemporáneo, ¿existe la censura? 
-Hay censura, por supuesto que existe. Parece ilógico pero no haya desaparecido, sigue estando. Aunque parezca mentira todavía se manejan muchas personas a partir de sus prejuicios. Hay miradas desconfiadas frente a lo nuevo y sobre todo hay tabúes religiosos, políticos, sexuales?
-¿A quiénes identificás como tus maestros en la pintura o tus máximos referentes? 
-Con cierta pena debo reconocer que nunca encontré a un maestro. Me considero más que nada un "autodidacta". Yo me encerré solo en mi taller, dialogué conmigo mismo, estuve años pensando, viendo, estudiando? Fue una búsqueda solitaria. Lo que sí me pasó es haberme encontrarme con artistas que me ayudaron y sobre todo que me alentaron para seguir en este camino como pintor. También hay muchos de los que aprendí a partir de la admiración. Siempre viendo y re-viendo el trabajo de Antonio López García, Jaime Valero, Lucian Freud o Gottfried Helnwein, por ejemplo. Pero también siempre estoy mirando trabajos de pintores que tal vez son poco conocidos o son muy jóvenes, porque siempre encuentro sorpresas y modos de trabajo que me resultan interesantes. 
-¿Nos podés describir la obra que has elegido para ser reproducida en esta entrevista? 
-Elegí "Placeres II". Se trata de una obra pequeña (34x46 cm). La quiero porque fue la primera de una serie de trabajos que reuní bajo el nombre "Placeres". En este trabajo encontré una intimidad que pocos veces he logrado. Me fui a lugares nuevos de expresividad plástica. Se me ocurrió hacerla cuando vi una foto mía de niño en la que salía tomando un helado de chocolate con la cara y la remera todas manchadas. La serie "Placeres" prioriza el tema de comer o beber despreocupado, sin miedo a mancharse, sin sentir vergüenza, sin estar atentos a la mirada del otro, ni mucho menos a hacer el ridículo, como sucede cuando sos niño. La obra la hice con óleo y pinté sobre madera, es el material con el que me siento más entero y creo que sus posibilidades sin inagotables. Disfruté este trabajo porque no sentí obstáculos, hubo un profundo diálogo y conexión entre la obra y yo desde el primer momento, como son las charlas entre los amigos. 


-¿Has sentido el impulso por pintarte a vos mismo? ¿Qué te sugiere el autorretrato? 
-El autorretrato no me llama la atención, no me causa interés. Quizá si formara parte de una obra conceptual más grande y compleja y pueda encajar dentro de ese todo? dejando en un segundo plano la idea de que el pintor se refleje a sí mismo? Lo he hecho en algunas oportunidades sólo a manera de estudio. 
-¿Estás preparando una exposición con tus últimos trabajos? 
-Sí, actualmente estoy con una serie de cuadros que se van a exponer el 25 de junio en la Bolsa de Comercio de Ciudad. Quiero que la muestra marque en adelante un nuevo camino, tanto en lo conceptual como en la parte técnica. Siento que no sólo mis manos sino también mi cabeza, han cambiado, así que? hacia allá voy. 
-El grado de realismo y la técnica de tus obras exigen de mucho tiempo de trabajo ¿Cómo es tu relación con el circuito del arte? -Creo que al artista no debe preocuparse por las "modas", las tendencias o las necesidades de la época. La obra debe estar en proceso el tiempo que necesite, el tiempo que pide para fluir. Si ese tiempo es mucho más que el de otros artistas, no me interesa, no me preocupa y tampoco me limita. Lo que también me pasa es que no me involucro con las necesidades de las galerías, museos o espacios culturales. Mi única preocupación es mi obra y su proceso creativo, lo pictórico. Lo demás vendrá de la manera que sea. Incluso me pasa que cada vez pinto menos, cada vez pinto más lento. Años atrás pintaba diez cuadros por año, ahora hago cinco. Es que cada pintura me lleva alrededor de tres meses de trabajo. No me interesa mostrar cantidad y si tengo tres obras para mostrar, que entonces sean tres. Esa decisión tiene un costo comercial porque se puede participar en menos concursos, y por sobre todo? a las galerías no les interesa un pintor que genere poco, porque a ellos les interesa vender. A esto sumale que mis cuadros, y los temas que elijo para pintar, no son "colgables", no son decorativos, aunque hay excepciones, claro. La mayoría de la gente no quiere tener en el living de la casa a una mujer que no conoce comiéndose una sandía pintada (risas). Mis trabajos, por eso mismo han ido a parar -en la mayoría de los casos- a manos de coleccionistas privados. Yo doy clases de dibujo y pintura tres veces por semana y es lo que necesito para solventarme? en el tiempo que resta, pinto. 
-¿Cómo ves el escenario de las artes plásticas en Mendoza? 
-Está lleno de riqueza creativa y hay artistas geniales. Me sorprenden mucho y siempre estoy buscando exposiciones para ir a ver. 


 "Las Meninas", de Diego Ortiz y Velázquez. Obra elegida por Cano como su favorita.

-Si tuvieras que pensar en una pintura que siempre te haya causado profunda admiración. ¿Cuál elegirías y porqué? 
-Elijo "Las Meninas" de Diego Velázquez. Sin duda es una de mis obras clásicas preferidas. Velázquez fue un adelantado para su época y aún hoy sigue sorprendiéndonos. La obra logra una atmósfera única, tiene precisión pictórica. Me llama la atención el orden de los personajes y objetos, la manera en la que están dispuestos. Para mí es una de las obras más increíbles de la historia de la pintura. Supongo que cuando pueda verla en vivo, pasaré días admirándola y ya no podré ver nunca otra pintura de la misma forma. 

Sus gustos: 

Un libro: “Crónicas Marcianas” de Ray Bradbury. 
Una película: “Todo está iluminado” de Liev Schreiber (Estados Unidos, 2005). 
Un compositor o grupo de música: “Pearl Jam”. 
Una canción: “Imagine” de John Lennon. 
Un hobby: Ver películas con Tiziano, mi hijo. 

Contacto: Facebook: Mauro Cano Mail: maurocanopinturas@yahoo.com.ar



sábado, 20 de septiembre de 2014

Abstracto o realista: esa es la cuestión

"Camila"

Esta obra la pinté hace 25 años, más o menos. Por esos años (1989) estaba en una lucha interna entre que estilo elegir. Siempre me gustó el arte abstracto pero el artista realista que siempre vivió en mí se resistía a claudicar. Esta pintura realizada a mi pequeña hija Camila me llena de nostalgia de una época de lucha y búsqueda... igual que ahora, más o menos.






viernes, 19 de septiembre de 2014

Revelan los secretos del cuadro de Monet que inspiró al Impresionismo

  

"Impresión, sol naciente", pintado en 1874, fue recién valorizado a mediados del siglo XX. Hoy lidera una muestra impresionista en París.

 
El cuadro de Claude Monet que en 1874 dio su nombre a la escuela impresionista, Impression, soleil levant, revela ahora todos los secretos de su creación, del desprecio inicial que conoció y de la singular trayectoria por la que tardó más de medio siglo en convertirse en un hito de la historia del arte.
La cuestión ocupa a partir de este jueves la nueva exposición estelar del Museo Marmottan Monet de París, que reúne 80 obras maestras y numerosos documentos relacionados con esa obra clave de Monet, cuyo título utilizó un crítico satírico de la época para definir con desprecio a esos “impresionistas”.
En total, hasta enero del 2015, pueden contemplarse 25 telas de Monet (1840-1926) y 55 de artistas que inspiraron en particular sus marinas y paisajes como Delacroix, Courbet, Boudin, Jongking y Turner; así como coetáneos suyos como Morisot, Renoir, Pissarro o Sisley.
Las piezas proceden del propio museo y de otras grandes pinacotecas y colecciones privadas del mundo, como la National Gallery de Londres, el Museo de Filadelfia (EE.UU.) o la colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen, de donde provienen tres óleos.
Regentado por el Instituto de Francia y heredero vía la Academia de Bellas Artes de valiosas colecciones impresionistas, el museo parisino es el primer fondo mundial de la obra de Monet, y con esta exhibición continua las celebraciones del 80 aniversario de su existencia.
Conmemora, asimismo, el 140 aniversario de la primera exposición al público de L’Impression, como le bautizó su autor en 1874, cuando lo incluyó en la primera muestra de los futuros impresionistas, reunidos entonces en la recién fundada “Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs et graveurs”.
El título del cuadro, que ya en el catálogo de 1874 figuraba como Impression, soleil levant (Impresión, sol naciente), y se transformó años después en Impression, soleil couchant (puesta de sol), es uno de los elementos dilucidados, junto con su iconografía y la búsqueda del lugar y la fecha exactos de su creación.
Gracias a las investigaciones iconográficas, meteorológicas, topográficas, hidrográficas y astronómicas realizadas con la ayuda entre otros científicos del astrofísico de la Universidad de Texas Donald Olson, del lugar donde fue pintado no queda duda.
Fue en el antepuerto normando de Le Havre, que Monet veía desde la habitación de su hotel en esa ciudad del noroeste francés.
Del momento del día en que pudo ser pintado prácticamente tampoco: fue durante la marea alta, poco después de la salida del sol, a las 07.35 horas, según la hipótesis más probable.
Con escaso margen de error y un zócalo científico apabullante, los expertos concluyeron igualmente que fue pintado casi con toda seguridad el 13 de noviembre de 1872, el mismo año con el que Monet acompañó su firma, pero que un especialista, décadas después, retrasó en un año, al no poder comprobar su estancia en Le Havre en el 72 pero sí en Normandía al año siguiente.
El cuadro, en su día unánimemente criticado, cayó pronto en el olvido, tras ser comprado por 800 francos por el audaz coleccionista Ernest Hoschedé, y en 1878 por 250 francos por el doctor homeópata rumano Georges de Bellio, coleccionista, amigo de Monet y de muchos impresionistas.
En cambio, el calificativo peyorativo atribuido gracias a él prendió de inmediato entre el público, la crítica y los propios “impresionistas”, según recordaron en una entrevista los comisarios de la exhibición, Marianne Mathieu y Dominique Lobstein.
El cuadro fue donado al Marmottan en 1940, en vísperas de la II Guerra Mundial, por la hija del doctor de Bellio, junto con otras obras, entre ellas las tres telas más famosas entonces de Monet.
Sin haber llegado a ocupar un puesto principal durante las primeras décadas del siglo pasado, salvo en contadas excepciones, Impression, soleil levant pasó a convertirse repentinamente a mediados del siglo XX en uno de los cuadros más célebres del mundo y en el más emblemático del Museo Marmottan.
Los comisarios subrayaron que este cambio vertiginoso no habría sido posible sin el cuidado con el que fue conservado durante décadas, pero hubo que esperar la consolidación absoluta del impresionismo como un movimiento principal de la historia del arte, y los estudios muy precisos que grandes historiadores del arte le dedicaron.

jueves, 18 de septiembre de 2014

Arte meteórico


Araujo Santoyo: escorzo y color



Alfredo Araujo Santoyo, además de ser un buen dibujante,  es un osado colorista. Sus escorzos son tan violentos como su audacia cromática. Y es en estos casos, cuando su arte alcanza el nivel más alto.

 Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas

Quedé gratamente impresionado cuando vi por primera la obra (sobre estas líneas) que seguí buscando en la red con el objeto de repetir la experiencia. Lo primero que destaco es su valentía en ofrecer un desnudo masculino -bellamente dibujado- en una postura tan poco convencional. Son escorzos retorcidos pero complementado a su entorno. Salen desde el interior o se funden a la textura del fondo que chorrea sin ningún tipo de prejuicio. Como lo dice el propio artista: “la obra se basta a sí misma”.
A mi modesto entender, este es un artista de individualidades temáticas. Resuelve mejor cuando el modelo es uno solo y no grupal (ver la última de las imágenes). En este caso, tiende a confundirse y a confundirnos como espectador.




Araujo Santoyo es un artista colombiano nacido en 1972, y cuya formación artística la realizó preferentemente en Bélgica. Cuando regresó a su país, expresó en una entrevista a un medio nacional:  “Aquí la gente trabaja únicamente para tener una pensión. No se siente pasión por lo que se hace. La carrera artística consiste en terminar la escuela de Bellas Artes, y la mayor aspiración es llegar a ser profesor de la academia. Muy pocas personas se asumen realmente como artistas. Es cierto que en Bruselas me he formado, especialmente en la práctica. Tengo disciplina: veinticinco horas semanales de trabajo artístico dentro de los cursos reglamentarios para el bachillerato, y tres horas diarias de escultura en la academia de Ixelles”.
“El problema en la escuela es que se ha desarrollado un arte muy intelectual. Para mí, una obra de arte debe bastarse a sí misma. Algo que requiere de una explicación teórica de veinte páginas o justificar un discurso intelectual, no es una obra de arte”.




miércoles, 17 de septiembre de 2014

La pintura de Wang Nen



En muy curioso ver como los pintores chinos contemporáneo han unificado la pintura clásica Occidental con sus tradiciones milenarias. No es raro, entonces, ver bellos desnudos con fondos de pinturas antiguas orientales.







La pintura de Adriana Villagra



El origen del arte y su propia naturaleza es un misterio y por qué existen seres humanos capacitados para hacer arte también es un misterio. Por qué esas capacidades siempre han estado encausadas a través de la belleza es otro gran misterio. 
¿Existe belleza en el entramado de un simple alambre que alguna vez cumplió la función de ser un cerco o en una madera envejecida ahora transmutada en una “escalera al Cielo"? Por si solos quizá pasan desapercibidos, pero en las pinturas de Adriana Villagra estos simples objetos adquieren una nueva y trascendente dimensión.
Los invito a conocer la pintura minimalista de esta joven artista paraguaya. Ella (muy amable) también nos ha contestado en forma exclusiva algunas preguntas que ayudan a despejar tanto misterio. Pasen y miren.

Por Rubén Reveco, licenciado en Artes Plásticas


Adriana Villagra (1978, Ciudad del Este, Paraguay). Egresada de la carrera de Diseño Gráfico en la Universidad Católica de Asunción con honores de “Alumna Distinguida”. Se inicia en la pintura en el año 2002, siendo su principal referente y tutora su madre, Ramona Riquelme, artista plástica. Además de su labor como artista plástica, trabaja activamente con las asociaciones Amigos del Arte, Artistas Solidarios del Paraguay y la Red Cultural Mercosur (RCM). Sus obras forman parte de colecciones privadas de Paraguay y el extranjero.



-Madera, papel y alambre ¿Por qué, qué significan estos elementos para usted?
-Son elementos que forman parte de mi entorno cotidiano. Estos elementos nos rodean permanentemente, a veces pasan inadvertidos, la madera por ejemplo, cuando está resquebrajada o sufre el accionar de los fenómenos de la naturaleza deja entrever una infinidad de texturas, líneas, huecos y recovecos, el papel mediante sucesivos dobleces permite generar figuras o ser portadores de un mensaje, mientras que el alambre despierta una especial fascinación en mi por esas figuras caprichosas que es capaz de adquirir, es como si pudiera palpar la vida misma en esos trozos insignificantes, porque siento que cada uno es poseedor de una belleza que invita a ser descubierta pero para ello es preciso detener la mirada y ver más allá de las apariencias.

Páginas selectas de Aleksa Gajić

Como ha ocurrido en el pasado, ocurre en el presente y ocurrirá en el futuro...


Aleksa Gajic es un dibujante e ilustrador servio nacido el 20 de mayo 1974. Es conocido como el ilustrador de la Plaga de los Dioses  (Le Fléau des Dieux), escrito por Valérie Mangin, y Technotise, película animada estrenada en 2009.
Las imágenes propuestas en esta entrega corresponden a El Último Troyano, historia libremente inspirada en la Odisea de Homero y en La Eneida, de Virgilio, relata los orígenes legendarios de la “Roma galáctica”.


los dioses siempre se inmiscuyen en los problemas humanos.


10 años de luchas sangrientas en las que los héroes han muerto en vano. 10 años durante los que los dioses han elegido su bando sin conseguir que se incline la balanza de la guerra. Enéas, el estratega troyano, ya no sabe qué hacer, más allá de maldecir a la bella Helena, responsable de la guerra, y al rey Ulises, el más astuto de los griegos.

Los hombres ya han tenido suficientes dificultades en su historia... 

Pero un día la balanza se inclina, los aqueos abandonan el asedio silenciosamente: se van y dejan tras sí un misterioso asteroide en forma de caballo.
¿Es el símbolo de su derrota o una de sus trampas maquiavélicas?

como para soportar problemas que les son ajenos.

Si los dioses no pueden con sus rencillas internas...

los hombres deberían soltarle las manos.


Película de animación de Aleksa Gajić.

El artista.


martes, 16 de septiembre de 2014

Cuando Resistencia Realista cumplió dos años


A los que todavía no se han enterado, "El arte de Rubén Reveco" es un nuevo espacio virtual que ha ido rescatando de a poco la información publicada en "Resistencia Realista", el blog en defensa del arte realista más popular de habla hispana. Fuimos hackeados y perdimos gran parte de nuestra información. Aun así -de a poco- vamos publicando nuestros antiguos  contenidos y reencontrándonos con nuestros seguidores de siempre.


Tiempo laboral:

Dos años, 730 días. 1.460 horas (dos horas diarias como promedio dedicadas a la investigación y redacción). 268 publicaciones, 379.063 visitas de todo el mundo, 552.729 páginas vistas, 475 comentarios, 250 miembros.

Beneficios profesionales: 

1) Conocer a cientos de artistas que gracias a su talento realizan obras que ayudan a seguir creyendo en las artes plásticas.

2) Estímulo para continuar dedicando horas y esfuerzo a la propia actividad creadora.

3) Diálogo, intercambio de opiniones y debate que siempre ayudan a crecer y aprender.


Beneficios económicos

Cero (0)

13 de enero de 2011

Es fácil y gratificante empezar con un blog de arte, lo difícil es mantenerlo. Muchas veces dudas si vale tanto esfuerzo ad honoren. En este tiempo he conocido muchos blogueros que han abandonado lindas páginas, bien diseñadas, textos bien redactados, con buena información; pero que después de algunos meses "lo cierran" porque no generan la respuesta esperada.

Es cierto que todo esto es muy nuevo y que no existe el hábito de participación. Resulta más fácil interactuar por facebook o twitter. Pero estas redes son para mí un medio para llegar al blog y no un fin en sí mismo. 
Resistencia Realista ha tenido de todo en estos años. Cuando estás sintiendo que es demasiado el esfuerzo invertido te llega un comentario estimulante de cualquier parte del mundo y continúas y te esfuerzas para no repetirte, mantener el nivel y llenar las expectativas de tus lectores que a través de estas páginas han descubierto de que hay otra forma de hacer arte, o que ha sido la de siempre y seguirá siendo la que muchos queremos.

A todos, muchas gracias.

Nota de la Redacción:

Artículo recuperado del blog Resistencia Realista 


Publicado el 13 de enero de 2013


sábado, 13 de septiembre de 2014

Philipp Weber, hiperrealista alemán



¡Increíble! Si, son cuadros y muy hermosos pintados al óleo. Sorpréndase gratamente con estas pinturas. El autor Philipp Weber, es un artista alemán. Nació en 1974 en Rostock, Mecklenburg, Alemania. 



Phillipp Weber cuenta las historias que le conmueven, utilizando un estilo hiperralista, realismo, pop, composición y un intento de encontrar una verdad interior a determinar el enfoque del artista, lo que coloca a las mujeres en el centro de sus obras cíclicas. Al igual que Mel Ramos, Philipp Weber describe la artificialidad y los clichés de la moda y el mundo de la publicidad. Sus mujeres jóvenes se hacen pasar como si de una sesión de fotos para una revista de moda, ofreciendo un lienzo en blanco para los sueños de los hombres, recogiendo de este modo sobre un tema artístico tradicional. Pero Philipp Weber muestra más que eso: él trae sus modelos a la vida, liberándolos de la artificialidad  y la rigidez de la imagen principal, pasando por debajo de su piel, dejando al descubierto irregularidades en la perfección aparente y aspiraciones reveladoras y grandes sueños.